Tanned Tin 2007: Entrevista

No quedan más que unos días para que arranque la IX edición del Festival Tanned Tin que entre el 31 de Octubre y el 4 de Noviembre nos ofrecerá las actuaciones de más de 30 bandas de lo más selecto del panorama musical.

Esta será la tercera edición en la ciudad de Castellón, las seis anteriores tuvieron lugar en Santander, y la apuesta de los programadores sigue siendo la misma: propuestas innovadoras, riesgo y artistas poco vistos por aquí en un entorno perfecto dónde la música será lo más importante (este año Auditori i Palau de Congresos, Casino Antiguo y Teatre Principal). Si en anteriores ediciones nombres cómo Animal Collective, The New Year, Six Organs Of Admittance, Okkervil River, Labradford, Windy & Carl... pasaban por sus escenarios, este año el cartel se presenta aún más atractivo y José Luis Cuevas (co-director del festival) nos habla un poco de todo ello además de dejarnos cinco recomendaciones a las que nosotros uniremos cinco más. Leed, leed...

Six Organs Of Admittance, Tanned Tin 2006

Tras el traslado en 2005 de Santander a Castellón el festival parece más asentado que nunca: más duración, más escenarios, más grupos... Supongo que el apoyo institucional tiene mucha importancia en esto ¿cómo valoráis el cambio con la perspectiva que dan estas dos últimas ediciones?

Para un festival como el Tanned Tin, en el que el espacio es reducido, la colaboración de las instituciones es fundamental en el sentido de que si queremos mantener un precio de entrada aceptable, necesitamos el apoyo externo ya que no se cubren gastos. Así que es fundamental.

Valoramos de manera muy positiva los dos años en Castellón y creemos que este año va a ser aún mejor a todos los niveles. En Castellón de alguna manera el festival ha podido crecer en oferta de grupos y espacios, y eso era muy importante para nosotros.

Desde el cambio de ubicación también se puede apreciar una mayor variedad y apertura en la línea artística del festival, aunque los principios básicos siguen ahí. ¿Qué es lo que buscáis a la hora de confeccionar el cartel?

Bien, es posible que eso se deba a que ahora son dos personas las que seleccionan los grupos pero también se debe a las circunstancias de cada uno de nosotros ya que buscamos traer a los grupos que más nos gustan en un determinado momento. Cuando se confecciona el cartel, hacemos como la carta a los reyes magos. Luego tenemos más o menos suerte y las cosas salen como salen pero siempre intentamos que cada Tanned Tin sea el reflejo de nuestros gustos.

Se podría decir que el Tanned Tin es un rara avis dentro de la fauna festivalera española, aunque también es cierto que tras su estela han ido surgiendo variedad de festivales y propuestas similares en otras partes de la península (Sinsal, AV Festival, Pop Rock en el Central...). ¿Cómo véis estas propuestas? ¿Suponen una competencia o una motivación mayor?

Toda propuesta de festival es loable, toda oferta de programación nos permite ver grupos y cosas interesantes. Unos tienen más fortuna que otros, unos tienen más gusto que otros y unos no saben muy bien lo que quieren ni con que interés lo hacen. Creo que hay demasiadas propuestas que no aportan nada. Sin embargo gente como Sinsal ya llevan años aportando mucho riesgo y nos sentimos muy próximos a su forma de ver las cosas.

Nosotros nunca pensamos en la competencia, quizá esa sea una ventaja para nosotros. Ofrecemos algo que creemos que puede encandilar al público, no desde nuestro carácter de organizadores, sino desde nuestro yo apasionado. La música es lo importante en el Tanned Tin por encima de todo y da igual que un grupo sea conocido o no, que tenga disco o no y que suene en la radio y salga en revistas…

Hablando de competencia entre festivales ¿Qué os ha parecido la polémica de los grandes festivales de verano en torno a la lucha por las contrataciones y el aumento de los cachés? ¿Eso llega a influir a un festival más minoritario cómo el vuestro?

La verdad es que me parece un poco vergonzoso aunque no conozco el tema muy directamente. Quizá a nosotros nos afecta poco porque la mayoria de los grupos que vienen al Tanned no entran en este circuito todavía.

Además de la programación músical habitual el festival se ha caracterizado por otro tipo de eventos: conciertos matinales, mesas redondas... ¿cómo surgieron estas ideas y que tenéis planeado este año?

En el Tanned Tin, las cosas surgen de manera informal… hasta que se convierten en algo sólido, así surgieron los matinales y el año pasado funcionaron muy bien. Este año tenemos dos matinales de viernes y sábado. A parte este año se va a rodar un documental alrededor del Tanned Tin.

Supongo que tras varios años organizando un festival cuya principal motivación es la pasión por la música, este habrá dejado momentos inolvidables y otros no tanto. ¿Podrías contarme cuales han sido las mayores satisfacciones en el ámbito músical en todos estos años? Y por no dejar mal a nadie, aquellos grupos que por una u otra razón se os han escapado y os hubiera encantado traer.

Pues muy buenos conciertos con Animal Collective (foto Tanned Tin 2006), Lou Barlow, Herman Dune, Okkervil River, M Ward… muchos muchos… Pues nos hubiera gustado traer a Panda Bear, Thurston Moore, los que se han caido como Papercuts o Ben Weaver… en fin, esta lista es enorme.

Cómo más de una vez habéis sugerido el cartel pretende ser un menú degustación de la escena independiente actual en la que ante tanto nombre muchos se sienten perdidos. ¿Si tuvieras que recomendar sólamente cinco de los artistas del cartel con cuales te quedarías?

Pues me voy a mojar mucho porque este año me motiva especialmente todo el cartel, pero recomendados THE EX, DAMIEN JURADO, DIRTY PROJECTORS, CALIFONE y WILDBIRDS AND PEACEDRUMS

¿El cartel está definitivamente cerrado con la caída de Papercuts y las incorporaciones de Spain y Ben Weaver?

Bueno, por desgracia Ben Weaver se ha caido del cartel y en su lugar ha entrado Sandro Perri. Y si, ahí hemos parado!

Por último me gustaría agradecerte tus respuestas y vuestro trabajo y preguntarte algo acerca de la X edición que tendrá lugar el año que viene. ¿Hay algo especial planeado o por el momento tenemos suficiente trabajo con lo de este año?

Pues de momento no nos hemos puesto a pensar en ello. Cada edición del Tanned Tin es especial para nosotros, así que la próxima no lo dudes que lo será por doble motivo. Gracias a vosotros por vuestro apoyo.



Además de las cinco bandas que Jose Luis Cuevas os recomienda me gustaría resaltar a otros cinco nombres del cartel y que por uno u otro motivo no deberíais perderos:


Deerhunter:

Rivalizarán con The Ex por ser la sensación del jueves. El grupo de Bradford Cox visita España por primera vez desde la edición del aclamado Cryptograms (Kranky, 2007), esperemos que venga la banda sin bajas y podamos disfrutar del show completo.



Frog Eyes:

Uno de las pocas bandas de indie-rock del cartel, los de Carey Mercer son una de las celulas más activas y atractivas del indie canadiense y a buen seguro acabará poniendo en pie el Teatre Principal el viernes. Su ultimo disco es Tears of The Valedictorian (Absolutely Kosher, 2007)



Grouper:

Otra que debuta en España será Liz Harris, con ella y su particular mundo nos desperezaremos el sábado por la mañana. ¿Que mejor manera de despertar que sus brumas, sus drones y su voz? Este año ha estado imparable y ha entregado Cover The Windows And The Walls (Root Strata) y Way Their Crept y el 7" Tried para Type.


Raccoo-oo-oon:

Otros que nos visitan por primera vez, podremos descubrir su magnífico directo en el que la psicodelia, el ruido y la experimentación de Behold Secret Kingdom (Release the Bats!, 2007) servirán de aperitivo perfecto antes de la actuación de Wolf Eyes.



Tarentel:

Los de San Francisco vienen de tapados, a primera hora de la tarde del sábado ofrecerán uno de los conciertos del festival, no tengo dudas. Sus improvisaciones y las proyecciones de Paul Clipson no dejarán indiferente a nadie. Su último trabajo es el descomunal Ghetto Beats Under The Surface of The Sun (Music Fellowship/Temporary Residence, 2007). Puedes leer una entrevista reciente aquí.



Además el cartel se completa con: Half Asleep, Third Eye Foundation, Mia Doi Todd, Sandro Perri, Spain, D. T. Broughton, Xiu Xiu, The Ex, Acid Mothers Temple, The Floorbirds, Laura Gibson, La Jr., Dirty Projectors, Refree, Asobi Seksu, Califone, Norfolk & Western, The Sea & Cake, Wolf Eyes, Arborea, Sj Esau, Numbers, Damien Jurado, Dolorean, For Against, Boy Omega, Bracken, Thee More Shallows, Lisabo, Jonquil, Bird By Snow, Wildbirds & Peacedrums, Chris Brokaw & Geoff Farina, Ral Partha, Za Vs. Les Aus y Two Dollar Guitar. Ahí es nada. Todavía quedan entradas a la venta.

Página oficial: http://www.tannedtin.com/

Entrevista: Tarentel

Cuando todo parece que sale mal y tienes una de esas semanas, que por desgracia se repiten a menudo, en la que crees que el mundo es un lugar horrible de repente abres el correo y te encuentras con la sorpresa de que estos chicos de San Francisco te responden unas preguntas que habías enviado hacía casi 5 meses y que apenas recordabas. Entonces se te alegra la cara y te das cuenta de que hasta en la peor de las semanas puede surgir ese momento de felicidad.

Tarentel lo forman Danny Grody y Jefre-Cantu Ledesma a mediados de la década de los 90 en San Francisco, California. Desde su debut en 1998 se han convertido en una de las celulas más activas de la escena underground de la costa oeste americana. En su largo viaje han ido cambiando de compañeros a cada parada y de sonido casi también aunque siempre asentados en un avant-rock que ha ido desde el post-rock ambiental de sus inicios hasta la libertad total con la que afrontan sus creaciones en los últimos años. Experimentación e improvisación se han convertido en el principal camino a seguir desde hace unos años con el simple propósito de disfrutar del viaje. En este viraje tuvo especial importancia la incorporación del ex-batería de Sonna: Jim Redd que es el que contesta a la mayoría de nuestras preguntas, además de los otros dos miembros actuales de la banda: Tony Cross y el cineasta Paul Clipson.

La formación de la banda está cambiando continuamente, ¿cómo decidís quién participa en un proyecto y quién no?

Jim: La formación es estable en este momento: Jef, Danny, Tony, yo y el cineasta Paul Clipson. También trabajamos con Steve Dye (participó en We Move Through Weather y Paper White) cuando nuestras agendas coinciden. Los demás antiguos miembros se han centrado en otros proyectos.

Al mirar vuestra carrera en perspectiva me doy cuenta que podría describirse básicamente con tres conceptos: repetición, exploración/experimentación y feedback. ¿Podéis describir la evolución de vuestro sonido? Parece también en constante cambio. ¿Es una necesidad?

Jim: Llevamos en esto bastante... sobre 12 años más o menos, y ha habido más de un par de cambios en la formación... así que es natural que nuestro sonido haya variado bastante. Yo me uní a la banda en 2002, desde entonces la experimentación e improvisación han sido el enfoque principal. No encajamos con el típico proceso de escribir canciones, ensayarlas, grabarlas, ensayarlas un poco más y tocarlas en directo. Por alguna razón eso no funciona para nosotros. Lo que más nos divierte es descubrir cosas y en lo que somos realmente buenos cómo banda es en aprovechar ese momento. Cuando todo funciona.

En lo que respecta al feedback... supongo que hay un montón de feedback literal en nuestras grabaciones del último par de años, pero lo que es realmente más interesante es la idea de feedback relacionada con nuestro modo de trabajo. Realmente no pensamos en un tema cómo algo acabado, así que todo se convierte en abono que da lugar a nueva música... reinterpretaciones de partes de otras canciones, las mismas partes pero con diferentes instrumentos, grabaciones en cinta de actuaciones, cualquier cosa realmente. Además solemos trabajar en diferentes proyectos al mismo tiempo o sucesivamente. Así, estaremos trabajando en ideas para un concierto, luego haremos alguna grabación casera, cogeremos esas ideas y las trasladaremos a instrumentos acústicos... Hace que las cosas se mantengan interesantes y siempre moviendose hacia adelante... y en ese sentido, la música se alimenta a si misma.

Desde We Move Through Wheather (Temporary Residence, 2004) vuestro sonido es más experimental, más amplio. ¿Dónde están vuestros límites?

Tony: Creo que durante las sesiones de We Move Through Weather empezamos a darnos cuenta de que no tenemos ningún límite. Estabamos tremendamente centrados en la improvisación y en experimentar más, eso continuó en el siguiente par de años y todavía continúa hoy en dia. Creo que la improvisación siempre será una gran parte de lo que hacemos -la base quizás- pero incluso la improvisación puede limitarte tras un tiempo. Realmente hemos disfrutado mucho con el trabajo estructurado que hemos realizado a raíz de Nosferatu -ver más abajo- y que continúa ahora. Instrumentalmente creo que no tenemos limitaciones para nada, todos hemos tocado diferentes instrumentos en la banda, algunos sin tener la más mínima formación o práctica, lo importante eran los sonidos y si un instrumento nos lleva a dónde tratamos de ir.

Recientemente habéis editado el 2xCD/4xLP Ghetto Beats Under The Surface of The Sun (Music Fellowship/Temporary Residence, 2007). ¿En que modo el álbum contribuye a la continua evolución de vuestro sonido?

Jim: Estoy muy contento con cómo ha resultado Ghetto Beats... Es variado, cómo un collage y realmente representativo de los diferentes tipos de música en los que estamos metidos. Fue grabado durante varios meses, así que probamos toneladas de diferente material (composiciones serenas, improvisadas, dub, hi-fi, lo-fi, muy procesado, acústico, encendiendo y apagando la cinta en medio de una interpretación, etc.) En un primer momento nos cargamos la corriente a media toma, lo que nos llevó hacia este proceso de exploración total y de edición directa al 2 pistas, que es cómo terminamos dando con "Stellar Envelope", "A Crystal The Size Of Our Moon In The Heart Of A Pulsating White Dwarf", "Where Time Forgot" y "You Do This. I'll Do That.".

Vuestros últimos trabajos estaban basados en la improvisación, ¿cómo afrontais el proceso de composición y grabación en este momento?

Jim: Tratamos de afrontar cada proyecto de un modo diferente. El material Home Ruckus es todo improvisado, pero suena de un modo completamente diferente a cuando improvisamos con grandes amplificadores y percusiones. Para la actuación de Nosferatu y algunos shows del año pasado planeamos y preparamos las cosas bastante más de lo que lo habíamos hecho en una buena temporada.

¿Os preocupa el éxito? Lo que quiero decir es que parecéis más centrados en evolucionar cómo banda que en buscar vuestro propio éxito. Parecéis cómodos con vuestro actual status, ¿lo estáis?

Jim: Para mi el éxito es ser capaz de continuar haciendo lo que amas en tus propios terminos o con tus propias reglas y, afortunadamente, lo hemos logrado.

Tony: Estoy de acuerdo en que somos capaces de hacer lo que queremos hacer, eso es lo más importante por encima de todo. Que hayamos continuado trabajando juntos y editando material al mismo tiempo que llevamos a cabo proyectos alucinantes, es muy satisfactorio.

Habéis trabajado con multitud de sellos en el pasado, ahora tenéis vuestro propio sello (Root Strata, dirigido por Jefre) y vuestro propio estudio. ¿Puedes comentarnos las ventajas de la situación?

Jim: Afortunadamente la mayor parte de los sellos con los que hemos trabajado nos han permitido hacer lo que hemos querido... dentro de unos límites. Aunque el hecho de que Jef haya creado Root Strata ha sido muy bueno, nos permite editar más discos y más rapidamente.

Además de ser un grupo de música, Tarentel también son sus artworks, las proyecciones de Paul Clipson... Parece que os preocupáis bastante por el concepto completo. ¿Puedes comentarme un poco acerca del trabajo de Paul y de los artworks? ¿Cómo surgió la colaboración con Paul?

Jim: Los artworks son muy importantes para nosotros. Intentamos que sean la mejor representación posible de la música. Yo he comprado discos simplemente porque me gustaba la portada y he dudado en comprar otros que si me gustaban porque la portada no me acababa de convencer. En cuanto a los directos, apagamos todas las luces y hacemos las proyecciones tan grandes cómo sea posible. La idea es crear una gran experiencia multisensorial, semisurreal, única y viva.

Paul Clipson: Empecé a proyectar films con Tarentel en 2003, tras conocer a Jefre en el trabajo. Mi participación se produjo después de muchas conversaciones primero con Jefre y luego con el resto de la banda respecto al cine y la música. Desde la primera actuación poniendo imagenes a la música de Tarentel una continua colaboración tanto explicita cómo tácita ha ido sucediendo.

¿Cómo ves la escena musical actual? ¿Cómo han influido internet y las grabaciones caseras en los últimos años?

Tony: No estoy seguro en cuanto a la escena cómo un todo, pero las grabaciones caseras han sido una parte central de nuestro trabajo en los últimos años. Estamos grabando constantemente. De hecho, no recuerdo la última vez que ensayamos sin grabarlo. Home Ruckus proviene todo de grabaciones caseras, así como gran parte de Ghetto Beats...

¿Y la escena musical de San Francisco? ¿De dónde sacais el tiempo para los proyectos paralelos?

Jim: Todos tenemos un buen montón de diferente material y ocupaciones aparte de la banda... otros grupos, trabajos... ocupaciones de la vida normal. Hacemos lo posible por sacar tiempo para el grupo, y aprovechamos el tiempo que tenemos. De todos modos es parte de nuestro modo de trabajo, en ataques creativos y arrancadas. Además a todos nos gusta permanecer ocupados y disfrutamos haciendo música... así que cuando The Drift están de gira, Jef y yo grabamos para The Holy See, etc...

Este año habeis puesto banda sonora en directo a Nosferatu de F.W. Murnau, ¿cómo fue la experiencia?

Jim: A principios de año el Museo de Arte Moderno de San Franciso (SFMOMA) acogió una retrospectiva de Werner Herzog. Nosotros pusimos banda sonora en directo a la pelicula de F.W. Murnau en un programa doble que también incluía la proyección de la versión de Herzog. Fue una experiencia muy intensa. Era la primera vez que tocabamos 90 minutos seguidos. Es lo más ortodoxamente compositivo/song-writing que hemos hecho en mucho tiempo, la primera vez que era crucial que pusiesemos atmósferas/canciones en escenas/momentos especificos, lo mejor de todo es que Herzog estaba allí! Vimos la película de Murnau alrededor de 100 veces en los meses previos al evento, lo cual fue personalmente muy raro para mi. En el primer par de visionados yo no estaba para nada implicado emocionalmente con el film, cómo mucho me parecía divertido. Pero al verla una vez tras otra y discutir en profundidad con el resto de la banda el mejor modo de capturar atmósferas especificas para escenas concretas, la película creció lentamente en mi subconsciente. En la semana previa al pase, soñé con la pelicula cada noche. Puede sonar ridículo, pero caminaba todo el día cómo en trance, sintiendo (muy intensamente) la tragedia existencial y la belleza del corazón de la historia.

No soléis tocar demasiado. ¿Que puede esperar la gente de uno de vuestros conciertos? ¿Tenéis planes para girar por Europa? ¿Habéis estado alguna vez en España?

Jim: Cada vez se está haciendo más dificil para nosotros salir de gira, aunque lo intentamos todo lo que podemos. En Mayo estuvimos en Los Angeles en el Bottling Smoke Festival organizado por Digitalis y estaremos tocando en la edición de este año del Festival Tanned Tin (en Castellón del 31 de Octubre al 4 de Noviembre). En los últimos 4 años nuestras actuaciones han incluido proyecciones en directo en Super-8 a cargo de Paul Clipson. Nosotros no ponemos música a los films de Paul, ni el filma nuestra música. En lugar de eso trabajamos en paralelo. Nuestro método de trabajo es muy similar (improvisación, edición de cámara y superposición de capas y tratar todo cómo un work in progress). Ha sido extremadamente positivo y ha hecho milagros tanto para nuestra música cómo para los films de Paul.

Por último, ¿podéis hablarme sobre vuestros planes para el futuro?

Jim: Acabamos de editar un 7" en Type titulado Home Ruckus: Double Sided-Air y un CD-R para las serie por suscripción Bottled Smoke en Digitalis Industries. Ghetto Beats On The Surface Of The Sun acaba de ser publicado en Cd por Temporary Residence y tenemos otro CD de la serie Live Edits en preparación (de nuestra gira por Italia y Suiza en el 2005). Grabamos la actuación de Nosferatu en el SFMOMA, además de los numerosos ensayos que nos condujeron allí, así que de ahí podría salir otro trabajo. Aparte del Tanned Tin, probablemente nos pasemos el resto del año grabando. The Holy See, el proyecto de Jef y yo tiene un CDR en Digitalis, otro en Music Your Mind Will Love You, y otro más que saldrá pronto.

Paul: Tenemos ideas para hacer shows en entornos atípicos, dónde la banda y posiblemente múltiples proyecciones pudieran ser incorporados de diferentes maneras, pensando en algo así cómo los films/show multimedia de Bruce Conner y Glenn McKay. También estamos preparando uno o varios DVDs con material de films de Tarentel y actuaciones en directo.

Tarentel estarán actuando en Castellón en el Festival Tanned Tin el día 3 de Noviembre.

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Tarentel: Discografía básica y otros proyectos

Discos Recomendados

From Bone To Satellite (Temporary Residence, 1999)

Su album de debut que los situó a la vanguardia del post-rock de finales de siglo, un paso por debajo de Mogwai, GY!BE y EITS en popularidad pero nunca en calidad. Instrumental, cinemático, expansivo y ambiental es, como el guiño de su título indica, toda una odisea en el espacio (titulos cómo Ursa Minor, Ursa Major y For Carl Sagan dan fe de las intenciones). Sin abusar de la tensión/distensión ni de las subidas y bajadas tipicas del género e incluso acercandose por momentos a la lentitud de Codeine construyen un disco precioso plagado de texturas e instrumentación variada.

Ephemera: Singles 99-00 (Temporary Residence, 2002)

Más que una simple colección de EP's y singles, Ephemera podría considerarse su tercer álbum. Las piezas encajan a la perfección y la fluidez es total. Las composiciones son de las más logradas de la primera parte de su carrera. Desarrollos larguísimos, lentos, hipnóticos que no necesariamente deben acabar en clímax, ya que el viaje vale la pena por si sólo.

We Move Through Weather (Temporary Residence, 2004)

El disco del cambio. A pesar de la portada acuatica, éste es su disco menos apacible hasta aquel momento. Cambio de formación, aquí sólo participarían Danny Grody, Jefre-Cantu Ledesma y Jim Redd, con la asistencia de Steve Dye, y cambio de sonido. Las composiciones ahora se basan más en la improvisación y la experimentación con diferentes instrumentos y métodos de composición, utilizando el drone y las múltiples capas de sonido como base principal para construir un discurso tan rico como complejo y casi imposible de trasladar al directo.

Ghetto Beats Under The Surface Of The Sun (Music Fellowship / Temporary Residence, 2006/07)

El siguiente paso de su evolución natural. Sin ningún tipo de límites, con el ritmo cómo principal soporte para unas composiciones a las que las etiquetas se les quedan pequeñas. Enriquecidos por los diferentes proyectos personales y por la libertad y tiempo para crear que les proporciona su nuevo estudio y su sello. Se atreven con todo y entregan un disco inabarcable dónde las piezas de electricidad ambiental cohabitan perfectamente con las hipnóticas jams de percusión, feedback y guitarras cortantes.

Discografía completa:

-LP's
The Order Of Things (Neurot/Static Caravan, 2001)
Live Edits: Natoma (Root Strata, 2006)

-EP's, 12" & 7"
Tarentel EP (Temporary Residence, 1998)
Travels In Constants Vol. 3 (Temporary Residence, 1999)
When We Almost Kill Ourselves (Temporary Residence, 1999)
Looking For Things/Searching For Things (Resonant, 2000)
Two Sides Of Myself 7" (Static Caravan, 2000)
Carol Whiskey 7, split 7" w/Rothko (Jonathon Whiskey, 2000)
Split 7" w/Lilienthal (Akward Silence, 2000)
Fear Of Bridges (Three Lobed, 2002)
Mort Aux Vaches (Staalplat, 2002)
Latency 12" (EN/OFF, 2003)
Paper White (Temporary Residence, 2005)
Big Black Square (Temporary Residence, 2005)
Ghost Weight (Acuarela, 2005)
Home Ruckus: Bottled Smoke Series Vol. 7 (Foxglove, 2007)
Home Ruckus: Double-Sided Air (Type, 2007)


La órbita Tarentel: Proyectos paralelos

The Drift

Se inció cómo el proyecto paralelo de Danny Grody (guitarra) y Trevor Motgomery (bajo), que acabaría dejando ambos grupos. Su formación la completan Safa Shokrai (contrabajo), Jeff Jacobs (trompeta) y Rich Douthit (bateria). El cuarteto podría definirse cómo free-jazz-rock-dub aunque en sus composiciones también se ayudan de la electrónica, construyen instrumentales únicos e imprevisibles. Sin duda son una de las formaciones más interesantes de la escena instrumental actual, Noumena su disco de debut es una joya que no debería pasar inadvertida. Este año han editado un 12" con dos remezclas a cargo de Four Tet y Sybarite.

The Holy See

Jefre Cantu-Ledesma y Jim Redd dan rienda suelta con The Holy See a la parte más electrica y ruidosa de Tarentel. Explorando los extremos del sonido y el ruido, guitarras y manipulación electrónica de capas y capas de feedback. Tras debutar en Root Strata con Snowing Ash, este año han editado un CD-r para Foxglove.

Jefre-Cantu Ledesma/Colophon

Culo inquieto dónde los haya, Jefre-Cantu Ledesma empezó a grabar material en solitario bajo el alias Colophon en el año 2000. Desde hace unos tres años publica diferentes trabajos bajo nombre propio, su rango de acción va desde el material folk o de cantautor extraño de alguno de sus trabajos, hasta la experimentación con la electrónica de vanguardia, los loops y los drones de su más espectacular y reciente trabajo Shining Skull Breath para Studens Of Decay.

Estos tres son los principales proyectos paralelos de los actuales componentes de Tarentel, pero además de estos hay que nombrar al menos a los proyectos de alguno de los ex-miembros de la banda: Trevor Montgomery (Lazarus), Kenseth Thibideau (Howard Hello, Rumah Sakit, Sleeping People y Prints), Jeffrey Rosenberg (Lumen).



Curiosidades

* El título de su álbum de debut, From Bone To Satellite, es una referencia al film de Kubrick: 2001, Una Odisea en el espacio
* En The Order Of Things aparece el único corte en el que cantan en toda su discografía: Ghosty Head, una versión de Rickie Lee Jones. La voz es de Wendy Allen.
* Dos de los temas de We Move Through Weather aparecen en la película The Vice Guide To Travel.
* El titulo de Looking For Things, Searching For Things es una referencia a la película Tiempos de gloria de Terrence Malick.
* La mayoría de sus últimas ediciones, especialmente las de Root Strata son limitadas y con las portadas hechas a mano. En concreto Home Ruckus es una edición de 500 12" cada uno con una portada diferente pintada a mano.

Página Oficial | Root Strata | Temporary Residence | MP3's | Video 1 - 2

Interview: Tarentel

Tarentel is a band based in San Francisco, California which formed in 1995. Initially, the band consisted of Danny Grody and Jefre Cantu-Ledesma. The line-up shifted over the years and has included John Hughes, Trevor Montgomery, Patricia Kavanaugh, Kenseth Thibideau, Jeffrey Rosenberg, Jim Redd, Tony Cross, Steve Dye and others.

The band's current lineup is Jefre Cantu-Ledesma, Danny Grody, Jim Redd, Tony Cross and Paul Clipson.

Tarentel began as a post-rock band, making extended, LP-side length instrumental pieces similar to those of Godspeed You! Black Emperor and Mogwai. Over the course three full-length albums and a number of singles and EPs, Tarentel has gradually shifted their style to a looser, more improvisational form that incorporates genres such as noise and drone as well as having a strong psychedelic element. (Wikipedia)

The line-up of the band has been subject to continuous modifications. How have you decided who is involved in each project and who isn't?

Jim: The line-up is solid at this point: Jef, Danny, Tony, myself, and filmmaker Paul Clipson. We also work with Steve Dye (who played on We Move Through Weather and Paper White) whenever our schedules align. Any other former members have moved on to other projects.

Seeing your career in perspective, I think that three basic words might be used to describe it: repetition, exploration/experimentation and feedback. Your sound seems to be constantly changing. How would you describe this evolution? What has been the driving force behind this continuous transformation?

Jim: The band has been around for a long time... about 12 or so years, and there have been more than a couple line-up changes... so its natural that our sound has changed quite a bit. I joined in 2002. Since then, improvisation, exploration, and experimentation have been a primary focus. We don't really stick to the typical process of writing songs, rehearsing them, recording them, rehearsing them some more, and playing them live. For whatever reason that doesn't really work for us. What we enjoy most is discovering, and what we're really good at as a band is being in the moment. That's when everything comes together.

As far as feedback goes... I suppose there's a lot of literal feedback in our recordings from the last couple of years, but what's probably more interesting is the idea of feedback as it relates to the way we work. We don't really think of anything as a finished piece. So everything becomes fodder for making new music... re-interpretations of parts from other songs, the same parts but on different instruments, cassette recordings of live shows, anything really. We also tend to work on different projects at the same time... or in succession. So, we'll be working on ideas for a live show, but then we'll do some home recording, take all those ideas, and translate them to acoustic instruments. It keeps things interesting, and always moving forward... and in that way, the music is always feeding off itself.

Since We move through Weather your sound is more experimental, wider. Where are your boundaries?

Tony: I think that during the "We Move Through Weather" sessions, we really started to learn that we don't have any boundaries. We were highly focused on improvisation and experimenting more, and that continued into the next couple of years and still continues today. I think improvisation will always be a large part of what we do - the basis perhaps - but even improvisation can feel limiting after a while. We've really enjoyed the more structured work that started with Nosferatu and continues now. Instrumentally I don't think we have boundaries at all. We've all played multiple instruments in the band, some of which we have no training in whatsoever; what's important has been the sounds and if an instrument gets us where we're trying to go.

You have recently released the 4xLP series Ghetto beats under the surface of the sun. In which way does this series contribute to the evolving sound of the band?

Jim: I'm really happy with how "Ghetto Beats..." turned out. Its collage-y and varied, and is really representative of all the different types of music that we're all into. It was recorded off and on over several months, so we tried a ton of different stuff (composed, improvised, dub versions, hi-fi, lo-fi, heavily processed, acoustic, dropping the tape in and out mid-performance, etc.). Early on we actually blew the power mid-take, which led us off on this whole exploration of doing hard edits straight to 2" tape, which is how we ended up with "Stellar Envelope", "A Crystal The Size Of Our Moon In The Heart Of A Pulsating White Dwarf", "Where Time Forgot", and "You Do This. I'll Do That.".

Your last albums are based in improvisation. How do you face composition and the recording process right now?

Jim: We try to approach each project differently. The Home Ruckus stuff is all improvised, but it sounds way different than when we improvise with amps and big drums. For the Nosferatu performance, and for some shows we played last year, we mapped things out quite a bit more than we have in a while.

Do you care about success? I mean, you seem to be more focused on evolving as a band than in success as such. You seem comfortable with your actual status. Is it so?

Jim: For me success is being able to continue to do what you love on your own terms, and thankfully we've found that.

Tony: I agree that we are able to do what we want to do, and that is important above all. That we've continued working together and putting out material, as well as doing some really amazing projects, is very satisfying.

You worked with a lot of labels in the past, now you have your own label and your own studio. Could you tell me something about the pros and cons of this situation?

Jim: Thankfully, the labels we work with are for the most part open to us doing whatever we want... within reason. Jef starting Root Strata has been really nice as well, though. Its allowed us to put out more releases more quickly.

Tarentel is not only a music band, but also your artworks and projections. It seems that you care a lot for the whole concept. Could you tell me something about your albums’ artworks and your collaboration with Paul Clipson?

Jim: Our album art is very important to us. We try to make it as representative of the music as possible. I've definitely bought records just because they look good, and hestitated to buy others that I know I'll like just because they look bad. As far as the live shows go, we turn off all the lights and make the projections as big as we can get them. The idea is to make it one big multi-sensory, semi-surreal, one-time only, vivid, unique experience.

Paul: I began screening films with Tarentel in 2003, after meeting Jefre at a job. My involvement came out of many conversations first with Jefre and then with the rest of the band regarding film and music. From the first performance involving film images with Tarentel's music, a steady spoken and unspoken collaboration has been going on.

How would you describe the current music scene? In your opinion, what has been the impact that the internet and home recordings have had on it?

Tony: I'm not sure about the music scene on the whole, but home recording has been a central part of our work for the last few years. We are constantly recording, in fact I can't remember the last time we had a practice without recording it. Home Ruckus all came out of home based recordings, as did large parts of Ghetto Beats.

What about the San Francisco scene? How difficult has been for you to find time to work in your side projects?

Jim: We all have a lot of different stuff going on outside the band... other bands, jobs... just life stuff. We do our best to make time for the band, and take advantage of the time when we have it. Its kind of the way we work anyways, in creative fits and starts. We all also just like to stay busy and enjoy making music... so when The Drift goes on tour, Jef and I do Holy See recordings, et cetera.

You have recently composed the live soundtrack to Nosferatu's of F.W. Murnau. What could you tell me about this experience? To what extent has cinema been an influence for the band?

Jim: At the beginning of the year the San Francisco Museum of Modern Art held a Werner Herzog retrospective. We performed a live soundtrack to F.W. Murnau's Nosferatu as part of a double feature that also included Herzog's Nosferatu. It was a very intense experience. It was our first time performing for 90 minutes straight. It was the most composing/song-writing we'd done in a while, the first time it was crucial that we hit specific moods/songs at specific times/scenes, and on top of all that Herzog was there! We watched the Murnau film about a hundred times in the months leading up to the show, which was very strange for me personally. On the first couple viewings I was not emotionally involved in the film at all. If anything it seemed funny to me. But in watching it over and over, and in discussing at length with the rest of the band how best to capture very specific moods for very specific scenes, the film slowly crept into my subconscious. In the week leading up to the show, I dreampt about the film every night. It sounds silly, but I was walking around all day tranced out, feeling (very intensely) the existential tragedy and beauty at the heart of the story.

Although you don't tour a lot, what do you think people can expect from your shows? Are you planning to visit Europe soon? Have you ever played in Spain?

Jim: Its becoming harder and harder for us to tour, but we try to do it as much as we can. We made it down to Los Angeles in May for Digitalis' Bottling Smoke festival, and we'll be playing at this year's Tanned Tin festival in Castellon, Spain (October 31 to November 4). For the last 4 or so years our live shows have included live super-8 projections by Paul Clipson. We don't score Paul's films, and Paul doesn't film for our music. Instead, we work in parallel. Our working methods are very similar (improvisation, in-camera editing and layering, and treating everything as a work in progress). Its been extremely positive and has done wonders for both our music and Paul's films.

What are your plans for the near future? New releases, side projects, tours...

Jim: We recently released a 7" on Type Records called "Home Ruckus: Double-Sided Air" and had a CDR in the Digitalis Industries "Bottled Smoke" subscription series. "Ghetto Beats On The Surface Of The Sun" was just released on CD by Temporary Residence, and we've got another "Live Edits" CD in the works (from our 2005 tour of Italy and Switzerland). We recorded the Noseratu performance at the SFMOMA and several of the rehearsals leading up to it, so there may be a release somewhere in there. Aside from the Tanned Tin festival, we'll probably spend most of the rest of the year recording. Jef and I's project, The Holy See, has a new CDR out on Digitalis, another on Music Your Mind Will Love You, and yet another coming soon.

Paul: We've had some ideas to do shows in atypical environments, where the band and possibly multiple film images could be incorporated in different ways, thinking of the film/multimedia shows of Bruce Conner and Glenn McKay. Also, a DVD or DVDs of Tarentel films and live footage is in the works.

Página Oficial | Root Strata | Temporary Residence | MP3's | Video 1 - 2

Thanks to Maria D. You're awesome.

Entrevista: Jessica Bailiff

Toledo, Ohio es una ciudad media americana, con unos 300.000 habitantes, situada cerca de los grandes lagos y asentada sobre antiguos pantanos, su economía depende de la industria del cristal y de la fabricación del Jeep. Allí vive, siempre lo ha hecho, Jessica Bailiff que empezó en esto de la música muy joven, tocando el piano en casa de su abuela. Más tarde aprendería a tocar el cello en el colegio, aunque su principal instrumento es la guitarra con la que, desde que en 1995 alguien le dejó un 4 pistas, graba su propio material y experimenta. La experimentación y la apertura a nuevos retos siempre han caracterizado su carrera, plagada de colaboraciones y proyectos. Autodidacta, vegetariana, perezosa e insegura, hasta el punto de repetir hasta la saciedad que no sabe ni cantar ni tocar, Jessica lleva casi 10 años publicando en solitario, desde que en 1998 el prestigioso sello de Chicago Kranky publicó Even in Silence hasta el reciente repaso de singles, caras B y temas inéditos editado en el sello belga Morc. Pero sin duda si algo me ha quedado claro con la preparación y la experiencia de enviarle unas cuantas preguntas es que Jessica, además de amable y encantadora, es una mujer honesta y así, además de aburridas y un poco desoladoras es cómo califica ella sus respuestas a mis preguntas. Unas respuestas que nos presentan a una artista en un momento clave de su carrera. Sin saber qué dirección tomar.

¿Cuándo y porqué comenzaste a tocar? ¿Qué es lo que hizo que te metieses en esto?
Empecé a tocar cuando era muy pequeña, no estoy segura de que edad tenía. Tocaba el piano en casa de mi abuela cuando iba de visita. No puedo explicar porqué, pero es cómo si siempre hubiese estado interesada y atraida por la música.

¿Por qué te decidiste a enviar una demo a Kranky? ¿Qué esperabas? y, ¿en que modo su respuesta cambio tu vida?
Envié la demo porque mi amigo Alan (Sparhawk de Low) me lo sugirió. Por aquel entonces yo llevaba tres años escribiendo mi propio material y realmente quería saber si alguien estaba interesado. Sabía que enviar 20 demos era tomar el camino equivocado, así que preferí reducirlo a tres sellos. Kranky fue el primero y el único al que envié la demo, y resultó que estaban interesados. No esperaba que sucediese esto, su respuesta me dio la confianza suficiente para continuar con la música "a gran escala" y la oportunidad de hacer mejores grabaciones e irme de gira. Además he hecho una buena amistad con la gente involucrada en todo esto.

Han pasado casi diez años desde tu album de debut -Even In Silence (Kranky, 1998)-, ¿que es lo que mantiene tu interés en la música?
Realmente no lo sé. A menudo prefiero el silencio a la música. Y, de algún modo, el haber estado involucrada en la parte comercial, hace que esté menos interesada en ella. Mi interés en la música normalmente depende de ese nivel de emoción básico, ese algo que surge dentro provocado por las experiencias.

Bueno, hablemos del presente, no quiero hacer que te sientas vieja, recientemente has publicado Old Songs (Morc, 2007). Creo que más que un álbum de caras-b podría ser el comienzo perfecto para aquellos que no conocen tu música. ¿Cómo surgió este proyecto? Si, realmente, soy vieja (o me estoy haciendo vieja)! La recopilación de Old Things es algo que comenzó allá por 2001 o 2002. Empezó cómo un cd-r para familia y amigos que no tenían un plato para vinilos (algunas de esas canciones estaban editadas en 7" y 10" solamente). Jon (Whitney) -de www.brainwashed.com- es uno de mis mayores motivadores y me sugirió que hiciese una edición oficial con este material, tanto por los fans cómo un modo de ganar algo de dinero. Me llevó mucho tiempo aceptar la idea de que la gente que no conozco podría realmente estar interesada. Al final Jon me convenció para editarlo y cuando le mencioné la idea a mis amigos Wim y Annelies, Wim se interesó en editarlo por mi (el tiene el sello Morc en Bélgica). Yo ni tengo cabeza para los negocios ni la motivación necesaria para editarlo por mi misma, y realmente estoy muy contenta de que el se encargase del proyecto. Jesse Edwards hizo el diseño y el artwork del disco y también estoy muy contenta por ello.

Las canciones de este disco son del período previo a la publicación de Jessica Bailiff (Kranky, 2002); esta fue una época de cambios en tu música del enfoque más psicodélico/ruidista de tus dos primeros discos al más folk/cantautor de los dos últimos. ¿Eras consciente de ello en aquel momento? ¿Fue un cambio premeditado? ¿Cuales eran tus influencias por aquel entonces?
Si, muchas de las canciones fueron grabadas antes del tercer álbum, pero algunas vinieron durante o después de este (Let Time Breathe, Figure 8, Nicholson Square 2, For April). Ninguna evolución en mi música ha sido planeada, surge de algún modo. Mi sonido realmente es un gran reflejo de lo que he ido escuchando. Old Things demuestra que hubo una evolución gradual, de las guitarras noisy en primer plano pasaron a textura de fondo. La gente siempre comenta el cambio drástico que supuso Feels like home (Kranky, 2006) y a la mayor parte no les gusta. Pero cualquiera que haya seguido mi carrera lo verá cómo un paso completamente lógico. Honestamente, empecé con las guitarras noisy y las voces sepultadas por que no tenía confianza en mi capacidad. No podía cantar, era demasiado tímida para dejar que la gente oyese mi voz "real", que no era muy buena por aquel entonces. Tampoco sabía tocar la guitarra correctamente (y todavía no se hacerlo!), así que me ocultaba tras efectos y todo lo demás.

Crecí escuchando música pop mayoritariamente, y siempre valoré a los buenos compositores. Así que lo que yo hacía - hacer ruido - siempre me hacía sentir cómo si estuviese dando palos de ciego. Pero de pronto empecé a ganar algo de confianza, a encontrar mi propia voz y a sentirme cómoda escribiendo de ese modo. Y casualmente la gente lo pedía de algún modo, pero no me siento cómoda siendo agrupada bajo la etiqueta "folk". Quiero decir... simplemente porque haya estado escribiendo más con una guitarra acustica no significa que haga música folk. Esta etiqueta ha sido mal empleada ultimamente, cuándo pienso en música folk pienso en Woodie Guthrie, Bob Dylan, Joan Baez, puede que incluso la Carter Family. Había una tradición de canciones que contaban historias, canciones de amor, políticas y que eran hechas circular. A veces el origen de esas canciones se había perdido, pero todo el mundo las conocía. Es diferente a lo que pasa ahora con la música, aunque también es interesante que cada vez más y más gente joven está aprendiendo las canciones de aquellos que vinieron antes - e incluso haciendo amistado con los que hicieron música en los 60 y 70 (por ejemplo Bashti Bunyan, ahora abrazada y alabada por los folkies de nuevo cuño).

Definitivamente hubo un cambio en mis gustos sobre el año 2001, estaba en un momento donde estaba completamente aburrida de la música, desmotivada como oyente y participante. Iker, un amigo de Jesse y mío, nos descubrió a Vashti Bunyan, Bridget St John, United States Of America, Jackson C Frank, Spyrogyra (una banda de folk británica), Mellow Candle, Trees, Incredible String Band... Recobré el interés por la música, había tanto que descubrir... y Jesse y yo nos sumergimos en la exploración de toda esa música antigua, pero nueva y excitante para nosotros (Forest, C.O.B, Stone Angel...) Yo ya conocía y adoraba a Nick Drake, Syd Barrett y los primeros Pink Floyd y a Donovan, así que tenía sentido que ampliara mi conocimiento musical de esa época dentro del folk y la psicodelia.

¿El hecho de grabar en casa es importante en todos esos cambios? ¿Porqué decidiste llevar las riendas de todo el proceso tú misma? ¿Aún lo haces? Todo comenzó grabando en casa, con un 4 pistas en 1994-95. Nunca pensé en grabar en un estudio, pero cuando la oferta llegó, decidí aceptar la oportunidad. Fue fácil, el estudio de Alan y Mimi estaba en su casa. Realmente era grabar en casa, sólo que no era la mía. Me hicieron sentir muy cómoda, a pesar de que era increíblemente tímida y me asustaba tocar ante gente. Nunca podría haber hecho música cómo la que ahora hago por aquel entonces, especialmente delante de Alan o de cualquiera. Decidí seguir grabando en mi casa, ya que Jesse y yo conseguimos algún equipo y simplemente era lo más lógico. Podría escribir cuando surgiese y dedicarle más tiempo. Cuando reservas tiempo en un estudio hay más presión y más costes y esas cosas no encajan con ser creativa, al menos para mi. Grabar es además una herramienta de composición y tener a alguien al mando puede hacerlo más dificil. Aunque también puede ser más inspirador. Alan y yo lo pasamos muy bien probando ideas, muchas de las cuales a mi ni se me habrían ocurrido. Todavía tengo mi propio estudio, uno diferente, aunque no lo uso lo suficiente. No tengo tiempo, y mi situación actual no me ayuda para nada a crear.

En tu último disco, Feels Like Home (Kranky, 2006), continúas con este enfoque más centrado en tu faceta folk/cantautora, ¿es un cambio definitivo o simple coincidencia? Parece que tu carrera en solitario puede continuar por ese camino y los proyectos paralelos por el otro. Me siento más cómoda escribiendo con la guitarra acústica y probablemente si tuviese un piano escribiría más de la mitad de las canciones de ese modo. Siempre he usado la guitarra acústica, al menos desde 1997 cuando me compré la primera, pero fue a partir del 2004 que empecé a depender más de ella, cuando mi guitarra eléctrica misteriosamente dejó de funcionar y no me pude permitir arreglarla. Me afiancé todavía más con la Martin, porque era todo lo que tenía. Tengo una electrica de 12 cuerdas, aunque es sólo para grandes sonidos con delay y distorsión. Y supongo que me he cansado de eso, al menos cómo elemento principal.
Aunque usar este tipo de cosas con la música de otra gente es lógico, sólo acentúo algo que ellos ya han hecho. No tiene sentido tocar la guitarra acustica con alguien cómo Annelies Monseré o Rivulets, ya que ese trabajo ya está hecho.

He leido que te consideras más una creadora que una intérprete, ¿es eso cierto? ¿qué pretendes expresar a través de la música? Si, probablemente. Prefiero pasar el tiempo grabando nuevo material o aportando algo al material de otros que ensayar las mismas canciones una y otra vez para tocar en directo. Tengo un punto de vista más artístico - más cercano al de un pintor que al de una actriz - No soy buena tocando ante gente, actuando. Algunos realmente nacen para eso, y yo me di cuenta cuando transcurrió un tiempo que ese no era mi fuerte, aunque me encantaría ser buena en eso. Disfruto con el reto de organizar una gira y tocar en directo, pero lo que más me gusta es encontrarme con viejos amigos, y también con nuevos, y tener la oportunidad de tocar con gente con la que disfruto actuando. Además me encanta viajar, así que es dificil decir no cuando surge la oportunidad de salir de gira.
Sinceramente no sé que es lo que quiero expresar a traves de mi música, además de pura emoción.

¿Cómo nace una canción de Jessica Bailiff? ¿Tienes algún método? ¿Eres disciplinada?
No soy tan disciplinada cómo me gustaría ser, o cómo solía ser. No tengo otro método aparte de dejarme llevar al estado mental en que las cosas empiezan a fluir, musical o liricamente.

¿Qué inspira tus letras? ¿Qué piensas del mundo que te rodea? ¿Te influye de algún modo?
Principalmente las letras están inspiradas por el amor, o la perdida de éste; deseos, sueños, remordimientos, errores... Todas son muy introvertidas y personales, por tanto un poco egoistas. Me preocupa mucho el mundo que me rodea, pero no he encontrado un modo de canalizar eso a través de la música o las letras. Supongo que para eso uso más mis acciones y conversaciones diarias.

¿Tienes la sensación de que te expones de algún modo con tus letras?
Si y no. La mayor parte de la gente no presta atención a las letras, así que podría contar las partes más íntimas de mi vida en una canción (cómo suelo hacer) y nadie se enteraría.

Solías combinar tu trabajo diario con la música, ¿todavía trabajas? ¿Es dificil compaginarlo?
Si, todavía trabajo. No tocaré tanto cómo antes nunca más, cuando salgo de trabajar apenas tengo energía. No me es rentable tocar, de hecho he perdido gran cantidad de dinero con la música. Así que mi desprecupación de juventud se ha convertido en precaución a medida que me he hecho mayor. Ya no me puedo permitir gastar el dinero que no tengo en girar o tocar con otros. Necesito trabajar para sobrevivir, todos necesitamos dinero para sobrevivir, para comer, para tener cobijo, para pagar los gastos médicos, etc. Es la realidad. Nunca me planteé la vida de músico pensando en hacerme rica, pero nunca consideré la posibilidad de que podría hacerme pobre. Por otro lado he tenido grandes experiencias que no cambiaría por nada, y he hecho muy buenas amistades a través de la música, y eso no tiene precio.

Este año has tomado parte en diversas grabaciones cómo invitada (Red Morning Chorus, His Name Is Alive, Rivulets, Landerim, Odd Nosdam...) Esto es una constante en tu carrera; ¿cómo te las arreglas para colaborar con toda esa gente, mantener tu carrera en solitario y los proyectos paralelos?
Esos proyectos han estado espaciados a lo largo del tiempo, años de hecho. Pero últimamente ya no compongo; así es cómo funciona. Hace casi dos años que no escribo ni grabo nada en solitario. Normalmente me siento increíblemente ilusionada con la gente que me pide que colabore en sus grabaciones, así que es divertido para mi. Además ha sido la principal razón que me ha mantenido interesada en grabar, así que ha sido una bendición.

Todas estas colaboraciones han hecho posible que hayas colaborado con artistas que realmente admiras. ¿Qué es lo mejor y lo peor de trabajar con otros? y ¿cuáles son tus mejores experiencias?
Lo mejor es que es algo muy desinteresado. Estoy haciendo algo por esa persona, quiero contribuir de un modo que haga feliz a esa persona, de un modo que añada algo positivo a su música. Lo peor es cuando siento que no soy capaz de llevarlo a cabo, cuando quieres aportar algo y no eres capaz de hacerlo.

¿Escuchas música actual o prefieres cosas antiguas? ¿Qué has estado escuchando últimamente?
No he escuchado mucha música últimamente. Pero escucho todo aquello que me suene bien en ese momento, viejo o nuevo. He estado escuchando el disco de Elliott Smith "New Moon" durante casi un mes seguido, cada día. Ayer me compré el "Family Tree" de Nick Drake. Mi amigo Laurent me envió una recopilación con algo de música actual, la mayoría francesa y me está gustando. La música afecta demasiado mi estado de ánimo cómo para poner cualquier cosa en cualquier momento. A veces el silencio es lo mejor para mi.

Hace tiempo leí que pensabas a menudo en dejarlo, ¿todavía lo piensas?
Todos los días, pero ahora pienso más en cambiar, avanzar que en abandonar. La música siempre será parte de mi, no puedo ni imaginarme que pueda deshacerme de todo mi equipo. Pero tengo otras prioridades y sobrevivir es una de ellas. Ser feliz, o más feliz es otra, también está la salud. Así que estoy intentando encontrar en la vida lo que me haga más feliz. Con la música no obtengo la misma satisfacción que obtenía antes. Estoy en un extraño cruce de caminos, sin saber a dónde ir o qué hacer. Cuando los discos no se venden, es una especie de medidor de la demanda. Si no existe demanda en lo que hago, entonces mis prioridades tienen que variar. Principalmente la música se convertirá en algo estrictamente personal y no para publicación masiva. No vale la pena perder tiempo, dinero y recursos en algo que ultimamente termina en el vertedero. Y es más estresante para mi continuar por este camino, ¿porqué continuar? ¿porqué no hacer algo por mi misma en mi tiempo libre? No deseo impresionar a los críticos ni tampoco venderme a mi misma. Supongo que estoy intentando comprender qué significa la música para mi y dónde debe de estar en mi vida.

Hace dos meses tocabas en Detroit y no hay planes de gira, ¿te gusta ir de gira? ¿te sientes cómoda en el escenario o prefieres grabar?
Habrá una pequeña gira por los Paises Bajos y Bélgica este otoño. Me encanta tocar en Europa. Nos tratan bien y nos valoran. Siempre tenemos un lugar para dormir y comer bien y somos capaces de cubrir los gastos. No me gusta mucho tocar en America porque apenas pagan, si es que pagan algo. Hay mucha gente maravillosa organizando conciertos y haciendo todo lo posible porque salgan adelante. Pero la mayor parte de mis experiencias han sido tocar por practicamente nada para gente incapaz de estar en silencio. Además, para mi es más fácil tocar para gente que no conozco de nada. Tocar en los alrededores es casi imposible por dos razones: me pongo demasiado nerviosa y no soy capaz de hacerlo bien y normalmente no hay un local adecuado para el tipo de música que hago. No soy de las que se las apañan para tocar bien en una casa o en una tienda, suelo necesitar un sistema de amplificación adecuado ya que no puedo cantar muy alto (otra razón por la que no soy una buena performer!). La última vez que toqué en Paris no había amplificación así que tuvimos que tocar muy bajito para que pudiese cantar, al final no pude acabar el último tema porque había perdido la voz. Definitivamente, prefiero grabar, pero en circunstancias apropiadas disfruto tocando en directo.

¿Has visitado España alguna vez? ¿Te podremos ver por aquí pronto?
Nunca he estado en España, he oido cosas magnificas sobre ella. No tengo planes para ir, pero me encantaría hacerlo algún día si fuese posible.

¿En que estás trabajando ahora? ¿Cuáles son tus planes de futuro? Y por último, ¿cuál es el estado actual de tus proyectos paralelos (Eau Claire, Clear Horizon, Northern Song Dynasty)?
El mes pasado acabé algunas colaboraciones para el nuevo disco de Annelies Monseré. Ultimamente estoy trabajando en los temas para la próxima gira en otoño y de paso me las he arreglado para escribir un par de nuevos temas. Eau Claire ha estado parado - Rachel y yo estamos demasiado ocupadas, tanto musical cómo personalmente, para continuar. Pero todavía escribimos y estamos intentando hacer planes para que yo vaya a Austin (donde vive ella) tan pronto cómo sea posible. El segundo disco de Clear Horizon está practicamente acabado, pero ha sido pospuesto indefinidamente. Y hemos estado hablando acercca de empezar un nuevo álbum de Northern Song Dynasty, pero aún no ha sucedido nada.
He tenido muchas buenas experiencias, nunca una realmente mala. Trabajar con Dave Pearce ha sido genial, siempre había sido fan de Flying Saucer Attack. Afrontar el proceso creativo con el fue alucinante. Y Trabajar con Odd Nosdam fue fascinante porque su música estaba muy alejada de lo que yo hacía - aunque al mismo tiempo venimos de lugares cercanos, así que funcionó bastante bien, creo. No puedo escribir de todos ellos, ha habido cosas buenas en todos los proyectos en los que he participado y, echando la vista atrás, han sido muchos.

Fotos: Laurent Orseau

Consultar discografía y proyectos paralelos aquí.

Jessica Bailiff Interview

When did you start to play music and why? Why did you get into it?

I started to play music when I was very young, not sure how old I was. I would play at my grandmother's piano when visiting. I can't explain why, but it seems I've always been interested in and drawn to music.

Why did you decide to send a demo to Kranky? What did you expect? In what way has their response changed your life?
The demo was sent to Kranky because my friend, Alan, suggested it. I had been writing my own material for about 3 years at that point, and really wanted to see if someone was interested in it. I knew that sending out twenty demos was the wrong way to go, so I wanted to narrow it down to 3 labels. Kranky was the first and only one I sent a tape to, and they happened to be interested. I did not expect this to happen. Their response gave me enough confidence to continue music on a larger scale, and the opportunity to do things like make better recordings and tour. And I've also gained some very dear friendships with the people involved.

It's been almost ten years since your debut album, what holds your interest in music?
I don't really know. Oftentimes I prefer silence to music. And having been somewhat involved in the business, I'm less interested. I usually just rely on that base level of emotion, that something inside that is triggered by experiences, to stir my musical interest.

Well, let's talk about the present, i don't want to make you feel old (because you aren't). You've recently released Old Songs on Morc Records, I think it's more than a b-sides album, in fact, it's the perfect first approach to those who don't know your music. How did this project come up?
Yes, actually, I'm old (or getting old)! The "Old Things" collection is something that began maybe in 2001 or 2002. It started as a cd-r for friends and family who didn't have record players (some of those songs were 7" or 10" vinyl only). Jon at brainwashed.com is one of my biggest motivators, and suggested I make an official release out of it, both for the fans and as a means to try to earn some money. It took a lot of time for me to accept the idea that people I don't know might actually be interested. Jon finally convinced me to release it, and when I had mentioned the idea to my friends Wim and Annelies, Wim expressed interest in releasing it for me (he has the label in Belgium, Morc). I really don't have a mind for business, or the motivation to do my own release, and I'm really happy that he ended up taking on the project. Jesse Edwards did the artwork and design, and I'm really happy with that part of it, too.

The songs on that album (Old Songs) were years before your s/t album; there was a period of change in your music from the more drone-y/psychedelic focus of your first two albums to the more songwriter/folk-oriented feel of your last two albums. Were you aware of that at the time? It was planned? Which were your main influences on that time?
Many of those songs were before the untitled third album, but some came during or after ("Let Time Breathe," "Figure 8," "Nicholson Square 2," "For April"). Any evolution in my music really wasn't planned, it kind of just happened. The taste in my own music definitely mirrored a lot of what I'd been listening to. "Old Things" really does demonstrate that there was a gradual evolution, from the noisy guitars being up front, to then being more of a background texture. People always seem to comment on how "Feels Like Home" is such a drastic change, and mostly how they don't like it. But anyone who has followed the music all along will know that it's been a completely logical step. Quite honestly, I began with the noisy guitars and the buried vocals because I had no confidence in my abilities. I couldn't sing, I was too shy to let people hear my "real" voice, which wasn't very good at the time. I didn't know how to play guitar properly (and still don't!), so I hid behind effects and whatnot. I grew up listening to pop music, mostly, and have always appreciated really good songwriting. So what I was doing - making noise - always felt like fumbling around. But in that, I did begin to gain some confidence, to find my own voice, and I did feel comfortable in writing this way. And there happened to be a call for it, people were into that. But I don't really feel comfortable being lumped in with the "folk" category now. I mean, just because I've been writing more with an acoustic guitar doesn't mean I make folk music. Those words have been completely misused lately, "folk music." When I think "folk music," I think Woodie Guthrie, Bob Dylan, Joan Baez, maybe even the Carter Family. There was a tradition of songs telling stories, of love songs, of political songs, and they would be passed around. Sometimes the origins of these songs would be lost, but everyone knew them. It's a different spirit than what's going on now with music, but it is interesting that more and more, younger people are learning the songs of those that came before - and even becoming friendly with those that made music back in the sixties and seventies (take Vashti Bunyan, for example -she is now well-embraced by all the "folk hipsters" of today).

There definitely was a shift for me in taste, back in 2001. I was at a point where I was completely bored with music, unmotivated both as a listener and a participant. Iker, a friend of Jesse Edwards and me, exposed us to the likes of Vashti Bunyan, Bridget St John, United States of America, Jackson C Frank, Spyrogyra (the UK folk-rock band), Mellow Candle, Trees, Incredible String Band, etc. I regained an interest in music, there was so much to discover, and Jesse and I fell deep into exploration and discovery of music that was old, but new & exciting for us (Forest, C.O.B., Stone Angel, etc). I had already known and loved Nick Drake, Syd Barrett/early Pink Floyd and Donovan, so it only made sense that I would eventually expand my knowledge of music from that era, of the folk and psychedelic genres.

The fact of you recording at home is important in all these changes? Why did you decide to do the process yourself? Do you still do it?
It all began with recording at home, with a 4-track cassette recorder, in 1994-95. I never intended to record in a studio, but when the offer came, I decided to take the chance. It was easy, really, as Alan & Mimi's studio was in their home. It was really still home recording, just not in my own home. They made me feel very comfortable, as I was unbelievably shy and scared to play in front of people. I could never have done music like I do now back then, especially in front of Alan, or anyone else. I decided to continue recording in my own home, because Jesse and I had gotten some equipment together, and it just made sense. I could write as I went, and spend more time. When you book time in a studio, there's more pressure, and more cost. These things do not really go well with being creative, at least for me. Recording is also a songwriting tool, and having someone else at the helm can make it more difficult. But it can also be more inspiring. Al and I really had fun trying out ideas, many of which I never would have thought of on my own. I have a home studio still, a different one, but do not really use it enough. I don't have the time, and my current living situation doesn't really inspire me to create.

In your last album, Feels Like Home, you continue with this more folk/songwriter oriented side of your music, it's a definitive change or just coincidence? It seems that your solo career may continue on that way and your colaborations by the other way.
I feel most comfortable writing with the acoustic guitar, and if I had a piano, I'd probably write more than half of my songs that way. I've always used the acoustic guitar, at least since 1997 when I bought my first one. But I became more reliant on it in 2004, when my electric guitar mysteriously stopped working, and I could not afford to fix it. I bonded even more with the Martin, because it was all I really had. I have an electric 12-string, but it's really best only for big sounds with delay & distortion. And I guess I've become tired of that, at least as a main element.
But using that sort of thing with other people's music is logical, because I'm accenting something they have already done. It doesn't make sense to play acoustic guitar with someone like Annelies Monseré or Rivulets, as that job is already taken.

I've read that you consider yourself more of a creator than a player, is this accurate? What do you want to express through music?
Yes, probably. I'd rather spend time recording new material or adding to other people's material than rehearsing the same songs over and over to play live. I have more of an artistic point of view - more of a painter rather than an actress. I'm not really good at playing in front of people, at performing. Some people are really meant for that, and I realised somewhere down the line that it's not really my strong point, nor do I have a big desire to be good at it. I like the occasional challenge of setting up a tour, and playing live, but what I love more about that is meeting old friends, as well as new ones, and having the chance to play with people I enjoy playing with. Plus I really love traveling, so it's hard to say "no" when an opportunity to tour comes around.
I don't really know what I want to express through music, other than pure emotion.

Your sound is a nice mix between digital and analog. Do you still use the 4-track?
Thanks :-) The 4-track was used on "Feels Like Home," and is still a part of my home studio.

How is a Jessica Bailiff song conceived? Do you have a particular method? Are you self-disciplined?
I'm not as self-disciplined at I'd like to be, or as I used to be. There is no real method other than getting to that state of mind where things just begin to flow, whether lyrically or musically.

What inspires your lyrics? What do you think about the world around you? Does it influence you in some way?
Mostly the lyrics are inspired by love, or loss of it; by longings, by dreams; by regrets, by mistakes. They are all very introverted and personal, hence a little selfish. I do have a lot of concern for the world around me, but I have not found a way to voice that through music or lyrics. I suppose I use everyday actions and conversations more for that.

Do you feel that you expose yourself in some way with your lyrics?
Yes, and no. Most people don't pay attention to the words, anyway - so I could tell the most intimate parts of my life through song (as I often do) and no one would really know or care.

You've had to combine your day job with making music -- do you still have a day job? Is it difficult to juggle both?
Yes, I still have a day job. I don't do music much at all anymore, because I have little energy for it when I'm finished working. I do not profit monetarily from making music, in fact I have lost huge amounts of money doing it. So my youthful abandon has turned into careful consideration and caution as I have become older. I can lo longer afford to spend money I don't have in order to tour or to play other people's music. I need to work to survive, we all need money to survive, to eat, to have shelter, to pay medical expenses, etc. This is reality. I never entered into life as a musician thinking I'd get rich, but I never considered that it would make me poor. But on the other hand, I've had many great experiences that I wouldn't trade for anything, and have made some very dear friendships through music, which is priceless.

This year you took part in several recordings as a guest (Red Morning Chorus, His Name is Alive, Rivulets, Landerim, Odd Nosdam...)This is a constant throughout your career; how do you manage to work with all these artists and keep your solo career and side projects?
These projects have spanned a lot of time, years in fact. But lately, I don't really create my own music anymore; this is how it works. It's been nearly 2 years since I've written or recorded anything solo. But usually I am incredibly inspired by the people who have asked me to contribute to their recordings, so it's really fun for me. It also has been the main thing keeping me interested in recording at all, so it's been a blessing.

All these collaborations make it possible for you to work with artists that you really admire. What is the best and worst thing about working with other people? What are some of your most favourable experiences?
The best thing about working with other people is that it's a very selfless thing. I'm doing something for that person, I want to contribute in a way that makes that person happy, in a way that adds positively to his or her music. The worst thing is when I feel I am not up to the task, when I really want to contribute something good, and am not able to do it. I've had many favorable experiences, never a really bad one. Working with Dave Pearce has been great, as I was always a fan of Flying Saucer Attack. Going through the creative process with him was amazing. And working with Odd Nosdam was fascinating, because his music was so far away from what I was doing - but at the same time we were coming from a very similar place, so it has worked rather well, I think. I can't possibly write about all of them, really there has been something good about every project I've been involved in, and looking back, there have been many.

Do you listen to more modern bands or do you prefer older ones? What have you been listening to lately?
I haven't been listening to music much at all lately. But I do listen to whatever sounds good at the moment, old or new. I was listening only to the "New Moon" album by Elliott Smith, for at least a month straight, every day. Yesterday I bought the Nick Drake "Family Tree" cd. My friend Laurent sent me a compilation with some really great modern music on it, much of it French, and I'm really liking it. Music affects my mood too much to just play anything at any time. Silence is often better for me.

I've read some time ago that you thought about giving up? Do you still think about it?
Every day, but now I think of it more as moving on rather than giving up. Music will always be a part of me, I cannot imagine that I would get rid of all of my musical equipment. But I have other priorities, and survival is one of them. Being happy, or happier, is another, as well as my health. So I'm trying to find what it is in life that will make me happier, what situation will that be, or where will it be. I'm not getting the same fulfillment from making music that I once did. I'm at a very strange crossroads in life, not really knowing where to go or what to do. When the albums aren't selling, it's kind of a meter for demand. If there isn't really much of a demand for what I do, then my priorities need to shift. Mainly, the music will likely become strictly personal, and not for mass release. There is no point in spending time, money, and resources on something that ultimately ends up in a landfill. And if it's more stressful for me to continue on this path, why continue? Why not do my own thing in my own time? I have no desire to impress critics or to sell myself. I guess I'm in the process of trying to figure out what music means to me and where it should be in my life.

You've played in Detroit two months ago and there's no plans for touring, do you like touring? Do you feel comfortable on stage or do you prefer recording?
There will be a small tour of the Benelux region this fall. I really enjoy touring in Europe. We are treated well and appreciated. We always have a place to sleep and are fed well. We are able to cover expenses. I don't much enjoy playing shows in America, as the pay is awful, if we are paid at all. There are a lot of really great people out there organising shows and doing all they can to make them successful. But most of my experiences have been playing for virtually nothing for people who can't be quiet. Also, it's much easier for me to play for people I don't know. Playing locally, in my home town, is nearly impossible for 2 reasons: I become too nervous and can't perform well, and generally there is not a proper venue for the sort of music I do. I'm not the sort that can handle well playing a house show or a record store, I usually need a proper P.A. system, as I cannot sing very loudly (yet another reason I don't make a good performer!). The last time we played in Paris, there was no P.A. system, so we had to play very quietly so I could sing, and by the end, I couldn't finish the last song because I'd begun to lose my voice. I definitely prefer recording, but under the right circumstances, I really do enjoy performing.

Have you ever visited Spain? Can we see you here sometime soon?
I have never been to Spain, but I have heard really great things about it. I have no plans to go there, but would love to one day, if possible.

What are you working on right now? What are your plans in the near future?And finally, what is the actual status of your side projects (Eau Claire, Clear Horizon, Northern Song Dynasty)?
Last month I finished some contributions to Annelies Monseré's new album. Lately, I am working on songs for performing on tour in the fall, and have managed to write a couple of new songs along the way. Eau Claire has been on hiatus - Rachel and I have had too much going on, both musically and personally, to continue. But we still write, and we are trying to make plans for me to come to Austin (where she lives) as soon as possible. Clear Horizon 2 is practically finished - but it's been put on hold, indefinitely. And there has been some talk of starting another NSD album, but nothing's happening yet.

Photos: Laurent Orseau

Big thanks to Charina. You're really awesome.