Resumen Mitad 2007 (2ª Parte)

Segunda entrega (de la serie de tres) sobre esos discos que no he tenido tiempo o ganas de comentar a lo largo de lo que va de año, pero que no me gustaría que pasasen desapercibidos. Aquí nos centramos en terrenos más cercanos al folk, cantautores y alguna propuesta más arriesgada. Algunos se han quedado en el camino, cómo no podía ser de otro modo, y otros probablmente aún no han recibido la atención necesaria por mi parte. Para la próxima entrega dejo todo lo demás, la lista de lo que me queda es enorme, así que me lo tomaré con calma.

Amiina - Kurr (Ever, 2007)

Amiina son un cuarteto de chicas islandesas que acaban de debutar en formato largo. Llevan en esto un tiempo y ya habían editado un par de EP's: AnimaminA (Worker's Institute, 2004) y Seoul (Rumraket, 2006), y son colaboradoras fijas de Sigur Rós desde () (Fat Cat, 2003), además de telonearlos durante sus giras. Kurr, que es la palabra islandesa para el canto de los pájaros, es un álbum bonito, cálido y acogedor dónde desarrollan su sónido y construyen maravillosos paisajes casi completamente instrumentales por medio de las cuerdas (nacieron cómo cuarteto de cuerda), alguna base electrónica y una variedad de instrumentos cada vez mayor: melódica, celesta, harpas, campanillas, sierra, una sección de vientos y glockenspiel (maravilloso en Seoul). Los doce cortes transcurren sin sobresaltos, con unas melodías agridulces delicadamente construidas con cierto corte clásico. Sin duda un disco ideal para momentos tranquilos, para acompañarte por las noches. Rugla es el tema más conseguido de la docena y da completo sentido al título del álbum, las cuerdas suenan, aquí si, cómo el canto de los pájaros.

Myspace: Amiina

Angels Of Light - We Are Him (Young God, 2007)

Intensidad. Si hay una palabra que me venga a la mente al oir este disco es esa. A sus 53 años, Michael Gira (ex-Swans) editará en agosto el que ya es su séptimo disco cómo Angels of Light. Aquí colabora gente cómo Christoph Hahn (Swans), Bill Rieflin (Ministry, REM), Julia Kent (Antony and the Johnsons) y los niños mimados de su sello: Akron/Family que son su acompañamiento en directo desde hace años y que aquí, a diferencia de anteriores entregas, pasan a ser su banda de verdad más que una mera añadidura posterior en el proceso de grabación. En We Are Him, Gira da un paso hacia adelante, hacia un sonido más complejo, más rock. Los miembros de Akron/Family hacen los coros a los desbordantes temas de Gira, su voz asusta, estremece por momentos, Black River Song es la mejor muestra de esa intensidad, mientras que We Are Him (el tema) es prácticamente su complemento luminoso. Referencia para casi toda la nueva escena folk, el señor Gira sigue entregando música excitante tras más de 25 años de carrera.

MP3: Black River Song

Bill Callahan - Woke On A Whaleheart (Drag City, 2007)

A saber qué es lo que ha pasado en la vida de Bill Callahan para que tras más de 15 años y 12 discos escondiéndose bajo el alias de Smog o (smog), ahora entregue su primer trabajo bajo nombre propio. Y este no es el único cambio, porque Woke On A Whaleheart es además su disco menos cínico, menos arisco y menos cerrado en si mismo. Es, probablemnte, su disco de amor. Cómo unos Lambchop más rockeros, Callahan entrega un collage musical entre el indie, el folk y el country construido con la ayuda de los arreglos y la co-producción de Neil Michael Hagerty (Royal Trux) y la inestimable colaboración de Elizabeth Warren, cuyo violín tiene un papel principal. Los coros gospel que adornan algunos momentos del álbum (Sycamore, The Wheel) serían impensables en otras épocas. Pero aquí todo funciona. O casi todo, ya que las letras carecen de la inspiración del pasado (A man needs a woman or a man to be a man). Aún así, entrega dos temazos espectaculares cómo el single Diamond Dancer y la preciosa Sycamore que podéis escuchar pinchando en el enlace que dejo a continuación.

MP3: Sycamore

Ghost - In Stormy Nights (Drag City, 2007)

Masaki Batoh es el líder del colectivo japonés Ghost, con más de 20 años de carrera a sus espaldas ahora retoman el camino tras Hypnotic Underworld (Drag City, 2004). La experimentación siempre ha jugado un papel importante en la carrera del colectivo que ha transitado y fusionado estilos tan variados cómo el folk psicodélico, free jazz, krautrock e incluso la world (japan) music. In Stormy Nights representa un paso adelante en todos los sentidos, sin un paso en falso el disco avanza solemne y con una autoridad aplastante desde la inicial Motherly Bluster que nace de un glorioso y ácido riff de la guitarra de Michio Kurihara. Los 28 minutos de Hemicyclic Anthelion son el pilar central del conjunto, el tema surge de una serie de grabaciones en directo dónde, al igual que en la posterior mezcla, la improvisación jugó un papel fundamental en la combinación entre interludios folk, momentos de jazz y ráfagas de distorsión y feedback. Tras el mastodóntico experimento llegan los momentos más rock y más oscuros, con las percusiones marciales de Water Door Yellow Gate y Garecki No Toshi acompañadas de letras de pesadilla. La sigue la versión del himno tribal "Caledonia", feroz y respetuosamente interpretado, mientras que Grisaille nos los devuelve a terrenos más habitables y más transitados por ellos en el pasado, un magnífico cierre de avant-folk con cuerdas medievales, flauta y otro riff de guitarra simplemente exquisito. Un disco repleto de ingredientes indispensables: pasión, riesgo, experimentación y una dosis de electricidad que le da ese punto más que lo convierte en uno de sus mejores álbumes y una escucha ineludible para aquellos que disfrutéis con esto del psych-folk.

Myspace: Ghost

Islaja - Ulual Yyy (Fonal, 2007)

Merja Kokkonen se ha ganado a pulso ser la máxima referencia del pequeño sello finlandés Fonal (Paavoharju, Circle, Kemialliset Ystävät...). En su tercer largo cómo Islaja, Kokkonen sigue afianzando su personal discurso musical, con el folk cómo punto de partida (entendido de un modo amplio), la artista construye un disco plagado de ideas constantes y decisiones extrañas a primera vista, que con las escuchas va ganando en matices. Su rareza es su mayor virtud, por que su propuesta lejos de ser una acumulación de ruidos y voces filtradas esconde debajo de capas de instrumentación variopinta (órganos, guitarras, percusiones, saxos, violín...) unas hermosísimas y tristes canciones (Sydanten Ahmija, Pete P, Varjokuvastin) repletas de arreglos increíbles, imaginativos y originales cómo pocos. Además de una voz encantadora a medio camino entre Björk, Nico y Tim Buckley. Es este un disco oscuro, psicodélico hasta la náusea en algún momento (Musimaa), pero arrebatadoramente cautivador por su pureza, su libertad, la libertad del sonido en estado puro. Simplemente déjate llevar y penetra en el mundo de Islaja.

Myspace: Islaja

James Blackshaw - The Cloud Of Unknowing (Tompkins Square, 2007)

El nombre de James Blackshaw ha pasado de no aparecer en ningún lugar (o casi) a aparecer por todas partes en los últimos meses. Y no es de extrañar, si en sus anteriores entregas -éste es su cuarto disco a pesar de sus 25 años- su propuesta limitaba su improbable popularidad, con The Cloud Of Unknowing consigue lo imposible. Y es que, seamos realistas, no hay muchas posibilidades de que un disco de un guitarrista en solitario acapare protagonismo en los medios musicales de hoy en día. Así que algo tendrá el agua cuando la bendicen, y este disco es agua bendita. En él Blackshaw, virtuoso de la guitarra de 12 cuerdas, abandona casi por completo la experimentación y las sonoridades exóticas de otros de sus trabajos -que en breve serán reeditados por Tompkins Square- y se centra en su instrumento. En ese que nos abruma durante los 40 minutos de un disco que no da respiro, con una técnica increíble -que ha hecho que lo comparen con John Fahey, Robbie Basho o sus contemporaneos Peter Walker o Brad Rose (en cuyo sello ha publicado alguno de sus trabajos)- desarrolla cinco temas maravillosos, que podrían ser el sonido de la felicidad, poesía sin palabras, algo que podríamos denominar dream folk instrumental. Repleto de subidas y bajadas, con su guitarra trazando circulos concéntricos de una belleza sencilla, inmediata, hipnótica y accesible. Si! Lo sorprendente y lo que probablemnente le ha abierto tantas puertas a este disco es lo accesible que resulta a pesar de ser simplemente un hombre tocando una guitarra (aunque por momentos parezca imposible). Con la excepción de Clouds Collapse, un breve interludio de distorsión, y algunos glockenspiel y violines ocasionales aquí sólo oiremos guitarra, guitarra y felicidad. Porque a eso suena este The Cloud Of Unknowing. No lo dudes ni un instante, no te arrepentirás.

MP3: Running To The Ghost

Jana Hunter - There's No Home (Gnomonsong, 2007)

Black Unstaring Heirs Of Doom (2005) fue el disco que vio nacer al sello de Devendra Banhart y Andy Cabic y también fue el debut de Jana Hunter, en él su folk rarito de dormitorio ya llamaba la atención y deslumbraba en temas cómo Christmas o K, este There's No Home no tiene su encanto, pero es un disco más complejo, más rico, más variado y con más luz ya desde el comienzo con Palms. Tanto musical cómo emocionalmente demuestra que las composiciones de Hunter van ganando profundidad y variedad, su misteriosa e interesante voz pasea unas letras que nos hacen suponer más que desvelarnos certezas a través de temas tan diversos cómo la más pop Babies, unas casi desérticas Vultures y Regardless, la experimentación de Pinnacle, o el country-gospel de Bird. Estamos ante un disco más maduro y menos artificioso al que el capo de su sello -Devendra- califica de "naturalismo" pero que simplemente son un conjunto de canciones lentas, tristes y deliciosas de raíz puramente americana. Sigámosle la pista porque dará que hablar.

Myspace: Jana Hunter

Linda Draper - Keepsake (Planting Seeds, 2007)

Linda Draper es una cantautora neoyorkina que ha pasado casi desapercibida a pesar de que este es ya su quinto disco. Con una voz angelical (Hope Sandoval) y su guitarra acústica, acompañada de pianos, un xilófono de juguete y las colaboraciones de algún bajista, violinistas y percusiones, entrega un trabajo cálido y personal basado en los recuerdos y asentado sobre una producción sencilla que permite oir cada respiración, cada movimiento. A pesar de la belleza de sus composiciones, cabe destacar Shine, la titular Keepsake y Cell Phone que trata acerca de lo paradójico del distanciamiento entre las personas a pesar de vivir en un mundo en el que todo está al alcance de un click, el álbum adolece de una cierta falta de pasión que lo alejan de ser algo más que un buen disco para aquellos amantes de sonoridades tranquilas y cálidas y voces agradables.

MP3: Shine

Marissa Nadler - Songs III: Bird On The Water (Peacefrog, 2007)

La carrera de Marissa Nadler ha dado un salto significativo con éste su tercer disco, si con Ballads of Living And Dying (Eclipse, 2004) y The Saga of Mayflower May (Eclipse, 2005) lograba hacerse un nombre con su folk oscuro y su peculiar estilo a la guitarra de 12 cuerdas, con este Songs III se consagra y apunta cada vez más alto con un disco inmenso de una atmósfera subyugante que te atrapa desde el primer minuto de la hermosísima Diamond Heart "I had a man in every town / but I thought of you each time I tore off my gown" canta en lo que es el principio de un conjunto de temas acerca de la soledad, la muerte, la pérdida y el arrepentimiento.
La producción de Greg Weeks (Espers) y el acompañamiento de su banda -aquí están Jesse Sparhawk, Otto Hausser, el propio Weeks y Helena Espvall- dotan al conjunto de un empaque que Marissa reclamaba en sus anteriores entregas. Así, la maravillosa voz de Nadler, áspera, triste, se pasea ligera por las notas sin esfuerzo mientras el colchón instrumental creado por su guitarra y por cellos, mandolinas, percusiones y la eléctrica de Weeks realzan la atmósfera de dolor de sus composiciones. El disco está plagado de momentos memorables: desde la ya citada Diamond Heart, Thinking of You con el maravilloso cello de Helena Espvall, una versión del Famous Blue Raincoat de Leonard Cohen (al que venera y que cada vez tiene más cerca), el inmenso cierre con Leather Made Shoes, o la dolorosa Bird On Your Grave, que trata acerca de la misteriosa muerte de un amigo y dónde las capas abrasivas de la guitarra electrica de Weeks la acercan a ese space folk/rock que dice admirar. Sin duda es un disco que la aparta de los demás, que la hace aún más única, cómo un ángel salido de la niebla y llegado para suspenderte en el aire y el tiempo. Indispensable.

MP3: Dying Breed

Ola Podrida - Ola Podrida (Plug Research, 2007)

David Wingo es el compositor habitual de las B.S.O. de las peliculas del director americano David Gordon Green (George Washington, All The Real Girls...). Ola podrida es su proyecto con las composiciones que no encajaban para esos soundtracks, el nombre viene de ahí, de aprovechar esos restos para hacer una nueva receta. Y cual Juan Palomo el se lo guisa y se lo come, Wingo grabó todo el disco en solitario, aunque ahora la banda es un quinteto, y sin muchas aspiraciones ha conseguido un disco muy consistente de un indie folk/country a medio camino entre Sam Beam, Damien Jurado y Sufjan Stevens por un lado y Grizzly Bear y Band of Horses por otro. Si algo destaca de su sónido plagado de tranquilas guitarras folkies es su componente cinemático, reforzado por las letras acerca de momentos de la vida cotidiana que por momentos parecen instantaneas o pequeños cortos "I played in the waves like a five-year old, timing my jumps with the rolling tide" canta en Day At The Beach. Aunque sin duda el momento cumbre de un disco que casi carece de ellos, por rallar a gran altura en toda su duración, es Cindy que se construye lentamente para acabar alzándose majestuosa. Pincha justo debajo y descubrela!.

MP3: Cindy

Rameses III - Honey Rose EP (Important, 2007)

La portada de este EP de tan sólo 23 minutos es una imagen de la película para la que esta música fue concebida, el corto Suityman de John Spira. Y refleja a la perfección la música de este trío de Londres, un campo tranquilo y soleado mecido por el viento. Los temas de este álbum transmiten calma y belleza en estado puro. A través de unos paisajes, seis temas titulados por números y que bien podrían ser uno, construyen una especie de ambient/folk a base de guitarras, teclados, slide guitar, lap steel, banjo, flauta y alguna grabación (pajaros, lluvia, truenos...), con el que logran sumergirnos en un estado de agradable sopor. A pesar de ser su trabajo más corto es también el más centrado y conseguido, con unas estructuras definidas y un tratamiento de las texturas ejemplar, este trio confirma que es uno de los grupos más interesantes de las islas en estos momentos.

MP3: Theme One, Theme Three, Theme Four

Shannon Wright - Let In The Light (Quarterstick, 2007)

Pocas sorpresas nos podía ofrecer Shannon Wright -de origen punk y autodidacta con el piano y la guitarra, aunque parezca increible- a estas alturas de su carrera, así que en su sexto disco para Touch & Go se presenta cómo siempre: con sus peculiares baladas al piano y algunas piezas más rockeras a la guitarra. Este no es su mejor disco, quizá le falta algo de riesgo. Pero no se puede negar que está plagado de buenos temas y de la personalidad y actitud necesarias para sobresalir por encima de la media. Así aquí se reunen sus mejores cualidades y a modo de greatest hits de inéditos Wright entrega algunos de los temas más representativos de su dilatada carrera: funcionan especialmente bien las eléctricas St. Pete, Don't You Doubt Me e In The Morning, por el otro lado tenemos esas baladas al piano marca de la casa: Defy This Love, You Baffle Me o la que cierra el álbum y que es una de las más conseguidas, Everybody's Got Their Own Part To Play. Si no la conoces éste es un disco perfecto para comenzar a escucharla.

MP3: St. Pete

The North Sea - Exquisite Idols (Type, 2007)

Brad Rose es uno de los nombres importantes dentro de panorama folk de vanguardia contemporáneo; dirige Digitalis Industries y Foxglove dos sellos dónde publica discos de artistas de la talla y el riesgo de Hush Arbors, Tom y Christina Carter (Charalambides), James Blackshaw... además dirige la publicación Foxy Digitalis. The North Sea es su proyecto musical y además de varios CD-Rs el año pasado publicó un disco compartido con el trio londinense Rameses III también para Type: Night Of The Ankou. En él ambos proyectos se centraban en el drone y el feedback aplicado al folk y en éste su debut en condiciones Rose continúa combinando tradición y experimentación. La libertad es su mayor baza y en Exquisite Idols toma diferentes caminos para acercarse a estructuras folk, desde la belleza bucólica de Guiweneth of The Green Grass, hasta las capas de feedback que inundan Cover Me With Kneeves, pasando por temas de folk más ortodoxo cómo Take It From Me Brother Moses o Children Of The Ashes dónde casi se pueden distinguir las letras. En We Conquered The Golden Age de más de 11 minutos una melodía medieval, que bien podría ser propia de Fursaxa, es acompañada por drones y percusiones que parece que explotarán en una fiesta de ritmo pero que se mantienen en calma y vuelven a su origen. Libertad en estado puro, esto sí es free folk. Sólo para amantes de propuestas arriesgadas.

Wooden Wand - James And The Quiet (Ecstatic Peace, 2007)

James Jackson Toth lleva varios años publicando gran cantidad de discos con el alias Wooden Wand acompañado de diversas bandas que encarnaban diferentes concepciones de su sonido: the Vanishing Voice, The Sky High Band y The Omen Bones Band. En éste álbum, que será el último que publique con seudónimo y el primero para el sello de Thurston Moore Ecstatic Peace se acompaña de los también Sonic Youth; Lee Ranaldo (que también produce) y Steve Shelley además de Jeremy Earl (Woods, Meneguar) y miembros de Vanishing Voice cómo su mujer Jessica Toth. En éste su disco de exorcismo abandona sus encarnaciones anteriores y buena parte de la experimentación que lo acompañaba para entregar un trabajo en el que se redefine con un sónido con unas profundas raices sureñas, en la más pura tradición country/folk rock, dónde la Biblia, demonios, verdad, espiritualidad y sacrificio personal juegan un papel primordial. Así el nuevo yo que surge de este trabajo, nos entrega a un autor más clásico y menos psicodélico, con un discurso más definido y con unas canciones cómo The Pushers o Delia que atraparán a cualquier amante de la tradición musical americana.

Myspace: Wooden Wand

Zelienople - His/Hers (Type, 2007)

El sello Type sigue ampliando y diversificando su catálogo con grupos más que interesantes, Zelienople son un trio de Chicago: Matt Christiansen (voz, guitarra), Mike Weis (percusión) y Brian Harding (clarinete, guitarra) que hasta ahora sólo habían publicado trabajos en ediciones limitadas en pequeños sellos cómo Time Lag, Root Strata o Digitalis Industries. His/Hers (no, no tiene absolutamente nada que ver con Pulp) es un disco dotado de un magnetismo especial, construido a cámara lenta a medio camino entre Low y Charalambides, aunque con un toque más blues y psicodélico. Sus cinco temas rondan los 9 minutos de duración y en ellos predominan las atmósferas tenebrosas creadas con largos desarrollos de guitarras lentísimas que van desde la reverberación de la slide en Family Beast, pasando por la tristeza slowcore de Moss Man, la belleza glacial de Parts Are Lost, la más experimental Forced March dónde el feedback juega un papel más importante si cabe y la atmósfera desolada del cierre Sweet Ali. Un disco dónde el eco juega un papel principal, dónde las voces se convierten en murmullos o gemidos y que a pesar de todo se muestra cómo una de los más interesantes y accesibles propuestas dentro del panorama psych-rock. Recomendadísimo.

Myspace: Zelienople

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Videos - Menomena, Magik Markers, Liars, Maps

Artista: Menomena
Video: Rotten Hell
Álbum: Friend And Foe (Barsuk, 2007)
Director: War & Julius





Artista: Magik Markers
Video: Taste
Álbum: Boss (Ecstatic Peace!, 2007)





Artista: Liars
Video: Plaster Casts Of Everything
Álbum: Liars (Mute, 2007)
Director: Patrick Daughters





Artista: Maps
Video: It Will Find You
Álbum: We Can Create (Mute, 2007)
Director: Chris Richmond

Giardini di Miró - Dividing Opinions & Broken by (videos)

Aquí dejo dos videos del último trabajo de esta banda italiana:



Artista: Giardini di Miró
Video: Dividing Opinions
Álbum: Dividing Opinions (Homesleep, 2007)
Director: Matteo Bonifazio




Artista: Giardini di Miró
Video: Broken By
Álbum: Dividing Opinions (Homesleep, 2007)
Director: Lorenzo Sportiello

Entrevista: Jessica Bailiff

Toledo, Ohio es una ciudad media americana, con unos 300.000 habitantes, situada cerca de los grandes lagos y asentada sobre antiguos pantanos, su economía depende de la industria del cristal y de la fabricación del Jeep. Allí vive, siempre lo ha hecho, Jessica Bailiff que empezó en esto de la música muy joven, tocando el piano en casa de su abuela. Más tarde aprendería a tocar el cello en el colegio, aunque su principal instrumento es la guitarra con la que, desde que en 1995 alguien le dejó un 4 pistas, graba su propio material y experimenta. La experimentación y la apertura a nuevos retos siempre han caracterizado su carrera, plagada de colaboraciones y proyectos. Autodidacta, vegetariana, perezosa e insegura, hasta el punto de repetir hasta la saciedad que no sabe ni cantar ni tocar, Jessica lleva casi 10 años publicando en solitario, desde que en 1998 el prestigioso sello de Chicago Kranky publicó Even in Silence hasta el reciente repaso de singles, caras B y temas inéditos editado en el sello belga Morc. Pero sin duda si algo me ha quedado claro con la preparación y la experiencia de enviarle unas cuantas preguntas es que Jessica, además de amable y encantadora, es una mujer honesta y así, además de aburridas y un poco desoladoras es cómo califica ella sus respuestas a mis preguntas. Unas respuestas que nos presentan a una artista en un momento clave de su carrera. Sin saber qué dirección tomar.

¿Cuándo y porqué comenzaste a tocar? ¿Qué es lo que hizo que te metieses en esto?
Empecé a tocar cuando era muy pequeña, no estoy segura de que edad tenía. Tocaba el piano en casa de mi abuela cuando iba de visita. No puedo explicar porqué, pero es cómo si siempre hubiese estado interesada y atraida por la música.

¿Por qué te decidiste a enviar una demo a Kranky? ¿Qué esperabas? y, ¿en que modo su respuesta cambio tu vida?
Envié la demo porque mi amigo Alan (Sparhawk de Low) me lo sugirió. Por aquel entonces yo llevaba tres años escribiendo mi propio material y realmente quería saber si alguien estaba interesado. Sabía que enviar 20 demos era tomar el camino equivocado, así que preferí reducirlo a tres sellos. Kranky fue el primero y el único al que envié la demo, y resultó que estaban interesados. No esperaba que sucediese esto, su respuesta me dio la confianza suficiente para continuar con la música "a gran escala" y la oportunidad de hacer mejores grabaciones e irme de gira. Además he hecho una buena amistad con la gente involucrada en todo esto.

Han pasado casi diez años desde tu album de debut -Even In Silence (Kranky, 1998)-, ¿que es lo que mantiene tu interés en la música?
Realmente no lo sé. A menudo prefiero el silencio a la música. Y, de algún modo, el haber estado involucrada en la parte comercial, hace que esté menos interesada en ella. Mi interés en la música normalmente depende de ese nivel de emoción básico, ese algo que surge dentro provocado por las experiencias.

Bueno, hablemos del presente, no quiero hacer que te sientas vieja, recientemente has publicado Old Songs (Morc, 2007). Creo que más que un álbum de caras-b podría ser el comienzo perfecto para aquellos que no conocen tu música. ¿Cómo surgió este proyecto? Si, realmente, soy vieja (o me estoy haciendo vieja)! La recopilación de Old Things es algo que comenzó allá por 2001 o 2002. Empezó cómo un cd-r para familia y amigos que no tenían un plato para vinilos (algunas de esas canciones estaban editadas en 7" y 10" solamente). Jon (Whitney) -de www.brainwashed.com- es uno de mis mayores motivadores y me sugirió que hiciese una edición oficial con este material, tanto por los fans cómo un modo de ganar algo de dinero. Me llevó mucho tiempo aceptar la idea de que la gente que no conozco podría realmente estar interesada. Al final Jon me convenció para editarlo y cuando le mencioné la idea a mis amigos Wim y Annelies, Wim se interesó en editarlo por mi (el tiene el sello Morc en Bélgica). Yo ni tengo cabeza para los negocios ni la motivación necesaria para editarlo por mi misma, y realmente estoy muy contenta de que el se encargase del proyecto. Jesse Edwards hizo el diseño y el artwork del disco y también estoy muy contenta por ello.

Las canciones de este disco son del período previo a la publicación de Jessica Bailiff (Kranky, 2002); esta fue una época de cambios en tu música del enfoque más psicodélico/ruidista de tus dos primeros discos al más folk/cantautor de los dos últimos. ¿Eras consciente de ello en aquel momento? ¿Fue un cambio premeditado? ¿Cuales eran tus influencias por aquel entonces?
Si, muchas de las canciones fueron grabadas antes del tercer álbum, pero algunas vinieron durante o después de este (Let Time Breathe, Figure 8, Nicholson Square 2, For April). Ninguna evolución en mi música ha sido planeada, surge de algún modo. Mi sonido realmente es un gran reflejo de lo que he ido escuchando. Old Things demuestra que hubo una evolución gradual, de las guitarras noisy en primer plano pasaron a textura de fondo. La gente siempre comenta el cambio drástico que supuso Feels like home (Kranky, 2006) y a la mayor parte no les gusta. Pero cualquiera que haya seguido mi carrera lo verá cómo un paso completamente lógico. Honestamente, empecé con las guitarras noisy y las voces sepultadas por que no tenía confianza en mi capacidad. No podía cantar, era demasiado tímida para dejar que la gente oyese mi voz "real", que no era muy buena por aquel entonces. Tampoco sabía tocar la guitarra correctamente (y todavía no se hacerlo!), así que me ocultaba tras efectos y todo lo demás.

Crecí escuchando música pop mayoritariamente, y siempre valoré a los buenos compositores. Así que lo que yo hacía - hacer ruido - siempre me hacía sentir cómo si estuviese dando palos de ciego. Pero de pronto empecé a ganar algo de confianza, a encontrar mi propia voz y a sentirme cómoda escribiendo de ese modo. Y casualmente la gente lo pedía de algún modo, pero no me siento cómoda siendo agrupada bajo la etiqueta "folk". Quiero decir... simplemente porque haya estado escribiendo más con una guitarra acustica no significa que haga música folk. Esta etiqueta ha sido mal empleada ultimamente, cuándo pienso en música folk pienso en Woodie Guthrie, Bob Dylan, Joan Baez, puede que incluso la Carter Family. Había una tradición de canciones que contaban historias, canciones de amor, políticas y que eran hechas circular. A veces el origen de esas canciones se había perdido, pero todo el mundo las conocía. Es diferente a lo que pasa ahora con la música, aunque también es interesante que cada vez más y más gente joven está aprendiendo las canciones de aquellos que vinieron antes - e incluso haciendo amistado con los que hicieron música en los 60 y 70 (por ejemplo Bashti Bunyan, ahora abrazada y alabada por los folkies de nuevo cuño).

Definitivamente hubo un cambio en mis gustos sobre el año 2001, estaba en un momento donde estaba completamente aburrida de la música, desmotivada como oyente y participante. Iker, un amigo de Jesse y mío, nos descubrió a Vashti Bunyan, Bridget St John, United States Of America, Jackson C Frank, Spyrogyra (una banda de folk británica), Mellow Candle, Trees, Incredible String Band... Recobré el interés por la música, había tanto que descubrir... y Jesse y yo nos sumergimos en la exploración de toda esa música antigua, pero nueva y excitante para nosotros (Forest, C.O.B, Stone Angel...) Yo ya conocía y adoraba a Nick Drake, Syd Barrett y los primeros Pink Floyd y a Donovan, así que tenía sentido que ampliara mi conocimiento musical de esa época dentro del folk y la psicodelia.

¿El hecho de grabar en casa es importante en todos esos cambios? ¿Porqué decidiste llevar las riendas de todo el proceso tú misma? ¿Aún lo haces? Todo comenzó grabando en casa, con un 4 pistas en 1994-95. Nunca pensé en grabar en un estudio, pero cuando la oferta llegó, decidí aceptar la oportunidad. Fue fácil, el estudio de Alan y Mimi estaba en su casa. Realmente era grabar en casa, sólo que no era la mía. Me hicieron sentir muy cómoda, a pesar de que era increíblemente tímida y me asustaba tocar ante gente. Nunca podría haber hecho música cómo la que ahora hago por aquel entonces, especialmente delante de Alan o de cualquiera. Decidí seguir grabando en mi casa, ya que Jesse y yo conseguimos algún equipo y simplemente era lo más lógico. Podría escribir cuando surgiese y dedicarle más tiempo. Cuando reservas tiempo en un estudio hay más presión y más costes y esas cosas no encajan con ser creativa, al menos para mi. Grabar es además una herramienta de composición y tener a alguien al mando puede hacerlo más dificil. Aunque también puede ser más inspirador. Alan y yo lo pasamos muy bien probando ideas, muchas de las cuales a mi ni se me habrían ocurrido. Todavía tengo mi propio estudio, uno diferente, aunque no lo uso lo suficiente. No tengo tiempo, y mi situación actual no me ayuda para nada a crear.

En tu último disco, Feels Like Home (Kranky, 2006), continúas con este enfoque más centrado en tu faceta folk/cantautora, ¿es un cambio definitivo o simple coincidencia? Parece que tu carrera en solitario puede continuar por ese camino y los proyectos paralelos por el otro. Me siento más cómoda escribiendo con la guitarra acústica y probablemente si tuviese un piano escribiría más de la mitad de las canciones de ese modo. Siempre he usado la guitarra acústica, al menos desde 1997 cuando me compré la primera, pero fue a partir del 2004 que empecé a depender más de ella, cuando mi guitarra eléctrica misteriosamente dejó de funcionar y no me pude permitir arreglarla. Me afiancé todavía más con la Martin, porque era todo lo que tenía. Tengo una electrica de 12 cuerdas, aunque es sólo para grandes sonidos con delay y distorsión. Y supongo que me he cansado de eso, al menos cómo elemento principal.
Aunque usar este tipo de cosas con la música de otra gente es lógico, sólo acentúo algo que ellos ya han hecho. No tiene sentido tocar la guitarra acustica con alguien cómo Annelies Monseré o Rivulets, ya que ese trabajo ya está hecho.

He leido que te consideras más una creadora que una intérprete, ¿es eso cierto? ¿qué pretendes expresar a través de la música? Si, probablemente. Prefiero pasar el tiempo grabando nuevo material o aportando algo al material de otros que ensayar las mismas canciones una y otra vez para tocar en directo. Tengo un punto de vista más artístico - más cercano al de un pintor que al de una actriz - No soy buena tocando ante gente, actuando. Algunos realmente nacen para eso, y yo me di cuenta cuando transcurrió un tiempo que ese no era mi fuerte, aunque me encantaría ser buena en eso. Disfruto con el reto de organizar una gira y tocar en directo, pero lo que más me gusta es encontrarme con viejos amigos, y también con nuevos, y tener la oportunidad de tocar con gente con la que disfruto actuando. Además me encanta viajar, así que es dificil decir no cuando surge la oportunidad de salir de gira.
Sinceramente no sé que es lo que quiero expresar a traves de mi música, además de pura emoción.

¿Cómo nace una canción de Jessica Bailiff? ¿Tienes algún método? ¿Eres disciplinada?
No soy tan disciplinada cómo me gustaría ser, o cómo solía ser. No tengo otro método aparte de dejarme llevar al estado mental en que las cosas empiezan a fluir, musical o liricamente.

¿Qué inspira tus letras? ¿Qué piensas del mundo que te rodea? ¿Te influye de algún modo?
Principalmente las letras están inspiradas por el amor, o la perdida de éste; deseos, sueños, remordimientos, errores... Todas son muy introvertidas y personales, por tanto un poco egoistas. Me preocupa mucho el mundo que me rodea, pero no he encontrado un modo de canalizar eso a través de la música o las letras. Supongo que para eso uso más mis acciones y conversaciones diarias.

¿Tienes la sensación de que te expones de algún modo con tus letras?
Si y no. La mayor parte de la gente no presta atención a las letras, así que podría contar las partes más íntimas de mi vida en una canción (cómo suelo hacer) y nadie se enteraría.

Solías combinar tu trabajo diario con la música, ¿todavía trabajas? ¿Es dificil compaginarlo?
Si, todavía trabajo. No tocaré tanto cómo antes nunca más, cuando salgo de trabajar apenas tengo energía. No me es rentable tocar, de hecho he perdido gran cantidad de dinero con la música. Así que mi desprecupación de juventud se ha convertido en precaución a medida que me he hecho mayor. Ya no me puedo permitir gastar el dinero que no tengo en girar o tocar con otros. Necesito trabajar para sobrevivir, todos necesitamos dinero para sobrevivir, para comer, para tener cobijo, para pagar los gastos médicos, etc. Es la realidad. Nunca me planteé la vida de músico pensando en hacerme rica, pero nunca consideré la posibilidad de que podría hacerme pobre. Por otro lado he tenido grandes experiencias que no cambiaría por nada, y he hecho muy buenas amistades a través de la música, y eso no tiene precio.

Este año has tomado parte en diversas grabaciones cómo invitada (Red Morning Chorus, His Name Is Alive, Rivulets, Landerim, Odd Nosdam...) Esto es una constante en tu carrera; ¿cómo te las arreglas para colaborar con toda esa gente, mantener tu carrera en solitario y los proyectos paralelos?
Esos proyectos han estado espaciados a lo largo del tiempo, años de hecho. Pero últimamente ya no compongo; así es cómo funciona. Hace casi dos años que no escribo ni grabo nada en solitario. Normalmente me siento increíblemente ilusionada con la gente que me pide que colabore en sus grabaciones, así que es divertido para mi. Además ha sido la principal razón que me ha mantenido interesada en grabar, así que ha sido una bendición.

Todas estas colaboraciones han hecho posible que hayas colaborado con artistas que realmente admiras. ¿Qué es lo mejor y lo peor de trabajar con otros? y ¿cuáles son tus mejores experiencias?
Lo mejor es que es algo muy desinteresado. Estoy haciendo algo por esa persona, quiero contribuir de un modo que haga feliz a esa persona, de un modo que añada algo positivo a su música. Lo peor es cuando siento que no soy capaz de llevarlo a cabo, cuando quieres aportar algo y no eres capaz de hacerlo.

¿Escuchas música actual o prefieres cosas antiguas? ¿Qué has estado escuchando últimamente?
No he escuchado mucha música últimamente. Pero escucho todo aquello que me suene bien en ese momento, viejo o nuevo. He estado escuchando el disco de Elliott Smith "New Moon" durante casi un mes seguido, cada día. Ayer me compré el "Family Tree" de Nick Drake. Mi amigo Laurent me envió una recopilación con algo de música actual, la mayoría francesa y me está gustando. La música afecta demasiado mi estado de ánimo cómo para poner cualquier cosa en cualquier momento. A veces el silencio es lo mejor para mi.

Hace tiempo leí que pensabas a menudo en dejarlo, ¿todavía lo piensas?
Todos los días, pero ahora pienso más en cambiar, avanzar que en abandonar. La música siempre será parte de mi, no puedo ni imaginarme que pueda deshacerme de todo mi equipo. Pero tengo otras prioridades y sobrevivir es una de ellas. Ser feliz, o más feliz es otra, también está la salud. Así que estoy intentando encontrar en la vida lo que me haga más feliz. Con la música no obtengo la misma satisfacción que obtenía antes. Estoy en un extraño cruce de caminos, sin saber a dónde ir o qué hacer. Cuando los discos no se venden, es una especie de medidor de la demanda. Si no existe demanda en lo que hago, entonces mis prioridades tienen que variar. Principalmente la música se convertirá en algo estrictamente personal y no para publicación masiva. No vale la pena perder tiempo, dinero y recursos en algo que ultimamente termina en el vertedero. Y es más estresante para mi continuar por este camino, ¿porqué continuar? ¿porqué no hacer algo por mi misma en mi tiempo libre? No deseo impresionar a los críticos ni tampoco venderme a mi misma. Supongo que estoy intentando comprender qué significa la música para mi y dónde debe de estar en mi vida.

Hace dos meses tocabas en Detroit y no hay planes de gira, ¿te gusta ir de gira? ¿te sientes cómoda en el escenario o prefieres grabar?
Habrá una pequeña gira por los Paises Bajos y Bélgica este otoño. Me encanta tocar en Europa. Nos tratan bien y nos valoran. Siempre tenemos un lugar para dormir y comer bien y somos capaces de cubrir los gastos. No me gusta mucho tocar en America porque apenas pagan, si es que pagan algo. Hay mucha gente maravillosa organizando conciertos y haciendo todo lo posible porque salgan adelante. Pero la mayor parte de mis experiencias han sido tocar por practicamente nada para gente incapaz de estar en silencio. Además, para mi es más fácil tocar para gente que no conozco de nada. Tocar en los alrededores es casi imposible por dos razones: me pongo demasiado nerviosa y no soy capaz de hacerlo bien y normalmente no hay un local adecuado para el tipo de música que hago. No soy de las que se las apañan para tocar bien en una casa o en una tienda, suelo necesitar un sistema de amplificación adecuado ya que no puedo cantar muy alto (otra razón por la que no soy una buena performer!). La última vez que toqué en Paris no había amplificación así que tuvimos que tocar muy bajito para que pudiese cantar, al final no pude acabar el último tema porque había perdido la voz. Definitivamente, prefiero grabar, pero en circunstancias apropiadas disfruto tocando en directo.

¿Has visitado España alguna vez? ¿Te podremos ver por aquí pronto?
Nunca he estado en España, he oido cosas magnificas sobre ella. No tengo planes para ir, pero me encantaría hacerlo algún día si fuese posible.

¿En que estás trabajando ahora? ¿Cuáles son tus planes de futuro? Y por último, ¿cuál es el estado actual de tus proyectos paralelos (Eau Claire, Clear Horizon, Northern Song Dynasty)?
El mes pasado acabé algunas colaboraciones para el nuevo disco de Annelies Monseré. Ultimamente estoy trabajando en los temas para la próxima gira en otoño y de paso me las he arreglado para escribir un par de nuevos temas. Eau Claire ha estado parado - Rachel y yo estamos demasiado ocupadas, tanto musical cómo personalmente, para continuar. Pero todavía escribimos y estamos intentando hacer planes para que yo vaya a Austin (donde vive ella) tan pronto cómo sea posible. El segundo disco de Clear Horizon está practicamente acabado, pero ha sido pospuesto indefinidamente. Y hemos estado hablando acercca de empezar un nuevo álbum de Northern Song Dynasty, pero aún no ha sucedido nada.
He tenido muchas buenas experiencias, nunca una realmente mala. Trabajar con Dave Pearce ha sido genial, siempre había sido fan de Flying Saucer Attack. Afrontar el proceso creativo con el fue alucinante. Y Trabajar con Odd Nosdam fue fascinante porque su música estaba muy alejada de lo que yo hacía - aunque al mismo tiempo venimos de lugares cercanos, así que funcionó bastante bien, creo. No puedo escribir de todos ellos, ha habido cosas buenas en todos los proyectos en los que he participado y, echando la vista atrás, han sido muchos.

Fotos: Laurent Orseau

Consultar discografía y proyectos paralelos aquí.

Jessica Bailiff - Discografía y proyectos paralelos

Cómo comentabamos anteriormente si hay una constante en la carrera de Jessica Bailiff es su caracter abierto a los nuevos retos. Así, además de colaborar con: Odd Nosdam, Saturday Looks Good To Me, Alan Sparhawk, Larvae, Vlor, Annelies Monseré, Red Morning Chorus, Landerim y His Name is Alive es casi una miembro permanente del proyecto de su amigo Nathan Amundson: Rivulets. Y, además de su carrera en solitario, tiene varios proyectos paralelos en los que emplea su tiempo libre. Hablemos brevemente de ellos y de su discografía en solitario.

Even In Silence (Kranky, 1998)

Su disco de debut grabado en el estudio de Low, con Alan cómo productor y la banda al completo colaborando. Todavía hoy es una delicia escuchar la fusión entre las texturas de My Bloody Valentine, el ruido atmosférico de Flying Saucer Attack y las melodías oscuras al ralentí de Low. Overcast, Failing Yesterday y Trust destacan sobre las demás y nos hacían esperar grandes cosas para el futuro.

Hour Of The Trace (Kranky, 1999)

Crush es pura emoción shoegaze, con esos teclados suspendidos en el aire. Toska la primera gran canción con la guitarra acústica cómo elemento principal y la voz empezando a sonar más clara, al igual que en Warren y Across the Miles. Aunque siguen dominando los paisajes plagados de capas de ruido (Ater Hours), opresivos (Amnesia) y los experimentos (How our perception...) Jessica demuestra que puede escribir grandes y hermosas canciones.

Jessica Bailiff (Kranky, 2002)

La apertura con Swallowed no deja rastro de dudas, éste es el disco donde todo empieza a cambiar -es el primero grabado en casa-, más luz y sobre todo guitarras más limpias y voces más claras, aunque Mary, Dissapear y Hour Of The Traces son una prueba de que el pasado está ahí, este disco significa un avance hacia una composición más tradicional, los teclados ya no flotan en el aire y las guitarras van dejando los efectos atrás, mientras que la voz aparece cada vez más desnuda.

Feels Like Home (Kranky, 2006)

El final del trayecto, sólo quedan restos del pasado en Spiral Dream, Evidence e If We Could (la más vieja de estas composiciones). Con una producción cuidadosa y modesta, una mayor confianza en sus posibilidades cómo cantante y compositora y unos temas más breves que nunca entrega su disco más personal. Esperemos que la foto de la portada no signifique el final.

Otros trabajos en solitario:
Warren 7" (Bad Jazz, 1999)
Jessica Bailiff with the.dithering.effect 10" (Resonant, 2000)
Jessica Bailiff & Alan Sparhawk - Split 7" (Ypsilanti, 2001)
West Coast Tour EP (Autoeditado, 2003)
Live On VPRO Radio 7" (Brainwashed, 2005)
Old Things (Morc, 2007)



Proyectos paralelos:

Clear Horizon

Clear Horizon es el fruto de la colaboración con su admirado Dave Pearce (Flying Saucer Attack). Hasta el momento sólo han editado Clear Horizon (Kranky, 2003), dónde ambos en un intercambio postal a través del atlántico contribuían voz, capas y capas de guitarras y efectos, además de alguna percusión y piano. A medio camino entre la composición y la experimentación pura. Más tarde Jessica viajaría a Inglaterra y ambos grabarían el material para lo que en principio será su segundo disco.

Northern Song Dynasty

Jesse Edwards (Red Morning Chorus) comenzó a colaborar con Jessica en 1999, desde entonces ha sido su principal apoyo en directo. Además han grabado un 10" bajo el nombre Jessica Bailiff and the.dithering.effect. En 2002 publicaron su debut cómo Northern Song Dynasty en una edición limitadísima y en 2005 fue reeditado en el minúsculo sello All Is Number. Lentos y brumosos desarrollos instrumentales con algunas voces hipnóticas, folk, pop, psicodelia y trazos de electrónica, todo ello difuminado de un modo encantandor.

Eau Claire

Cómo resultado de la colaboración con Rachel Staggs (Experimental Aircraft, Monster Movie), Eau Claire sólo han editado un EP de apenas 20 minutos y 4 canciones para el sello especializado en shoegaze Clairecords en 2005. Con la asistencia de Alan Sparhawk a los controles, el dúo entregó uno de los discos más subyugantes del año, drones, guitarras atmósféricas, texturas, percusiones y dos voces maravillosas en el que es el proyecto más pop y al mismo tiempo más shoegaze de Jessica. Freefall y Soaring son dos delicias. Esperemos que pronto vuelvan a la carga.

Jessica Bailiff Interview

When did you start to play music and why? Why did you get into it?

I started to play music when I was very young, not sure how old I was. I would play at my grandmother's piano when visiting. I can't explain why, but it seems I've always been interested in and drawn to music.

Why did you decide to send a demo to Kranky? What did you expect? In what way has their response changed your life?
The demo was sent to Kranky because my friend, Alan, suggested it. I had been writing my own material for about 3 years at that point, and really wanted to see if someone was interested in it. I knew that sending out twenty demos was the wrong way to go, so I wanted to narrow it down to 3 labels. Kranky was the first and only one I sent a tape to, and they happened to be interested. I did not expect this to happen. Their response gave me enough confidence to continue music on a larger scale, and the opportunity to do things like make better recordings and tour. And I've also gained some very dear friendships with the people involved.

It's been almost ten years since your debut album, what holds your interest in music?
I don't really know. Oftentimes I prefer silence to music. And having been somewhat involved in the business, I'm less interested. I usually just rely on that base level of emotion, that something inside that is triggered by experiences, to stir my musical interest.

Well, let's talk about the present, i don't want to make you feel old (because you aren't). You've recently released Old Songs on Morc Records, I think it's more than a b-sides album, in fact, it's the perfect first approach to those who don't know your music. How did this project come up?
Yes, actually, I'm old (or getting old)! The "Old Things" collection is something that began maybe in 2001 or 2002. It started as a cd-r for friends and family who didn't have record players (some of those songs were 7" or 10" vinyl only). Jon at brainwashed.com is one of my biggest motivators, and suggested I make an official release out of it, both for the fans and as a means to try to earn some money. It took a lot of time for me to accept the idea that people I don't know might actually be interested. Jon finally convinced me to release it, and when I had mentioned the idea to my friends Wim and Annelies, Wim expressed interest in releasing it for me (he has the label in Belgium, Morc). I really don't have a mind for business, or the motivation to do my own release, and I'm really happy that he ended up taking on the project. Jesse Edwards did the artwork and design, and I'm really happy with that part of it, too.

The songs on that album (Old Songs) were years before your s/t album; there was a period of change in your music from the more drone-y/psychedelic focus of your first two albums to the more songwriter/folk-oriented feel of your last two albums. Were you aware of that at the time? It was planned? Which were your main influences on that time?
Many of those songs were before the untitled third album, but some came during or after ("Let Time Breathe," "Figure 8," "Nicholson Square 2," "For April"). Any evolution in my music really wasn't planned, it kind of just happened. The taste in my own music definitely mirrored a lot of what I'd been listening to. "Old Things" really does demonstrate that there was a gradual evolution, from the noisy guitars being up front, to then being more of a background texture. People always seem to comment on how "Feels Like Home" is such a drastic change, and mostly how they don't like it. But anyone who has followed the music all along will know that it's been a completely logical step. Quite honestly, I began with the noisy guitars and the buried vocals because I had no confidence in my abilities. I couldn't sing, I was too shy to let people hear my "real" voice, which wasn't very good at the time. I didn't know how to play guitar properly (and still don't!), so I hid behind effects and whatnot. I grew up listening to pop music, mostly, and have always appreciated really good songwriting. So what I was doing - making noise - always felt like fumbling around. But in that, I did begin to gain some confidence, to find my own voice, and I did feel comfortable in writing this way. And there happened to be a call for it, people were into that. But I don't really feel comfortable being lumped in with the "folk" category now. I mean, just because I've been writing more with an acoustic guitar doesn't mean I make folk music. Those words have been completely misused lately, "folk music." When I think "folk music," I think Woodie Guthrie, Bob Dylan, Joan Baez, maybe even the Carter Family. There was a tradition of songs telling stories, of love songs, of political songs, and they would be passed around. Sometimes the origins of these songs would be lost, but everyone knew them. It's a different spirit than what's going on now with music, but it is interesting that more and more, younger people are learning the songs of those that came before - and even becoming friendly with those that made music back in the sixties and seventies (take Vashti Bunyan, for example -she is now well-embraced by all the "folk hipsters" of today).

There definitely was a shift for me in taste, back in 2001. I was at a point where I was completely bored with music, unmotivated both as a listener and a participant. Iker, a friend of Jesse Edwards and me, exposed us to the likes of Vashti Bunyan, Bridget St John, United States of America, Jackson C Frank, Spyrogyra (the UK folk-rock band), Mellow Candle, Trees, Incredible String Band, etc. I regained an interest in music, there was so much to discover, and Jesse and I fell deep into exploration and discovery of music that was old, but new & exciting for us (Forest, C.O.B., Stone Angel, etc). I had already known and loved Nick Drake, Syd Barrett/early Pink Floyd and Donovan, so it only made sense that I would eventually expand my knowledge of music from that era, of the folk and psychedelic genres.

The fact of you recording at home is important in all these changes? Why did you decide to do the process yourself? Do you still do it?
It all began with recording at home, with a 4-track cassette recorder, in 1994-95. I never intended to record in a studio, but when the offer came, I decided to take the chance. It was easy, really, as Alan & Mimi's studio was in their home. It was really still home recording, just not in my own home. They made me feel very comfortable, as I was unbelievably shy and scared to play in front of people. I could never have done music like I do now back then, especially in front of Alan, or anyone else. I decided to continue recording in my own home, because Jesse and I had gotten some equipment together, and it just made sense. I could write as I went, and spend more time. When you book time in a studio, there's more pressure, and more cost. These things do not really go well with being creative, at least for me. Recording is also a songwriting tool, and having someone else at the helm can make it more difficult. But it can also be more inspiring. Al and I really had fun trying out ideas, many of which I never would have thought of on my own. I have a home studio still, a different one, but do not really use it enough. I don't have the time, and my current living situation doesn't really inspire me to create.

In your last album, Feels Like Home, you continue with this more folk/songwriter oriented side of your music, it's a definitive change or just coincidence? It seems that your solo career may continue on that way and your colaborations by the other way.
I feel most comfortable writing with the acoustic guitar, and if I had a piano, I'd probably write more than half of my songs that way. I've always used the acoustic guitar, at least since 1997 when I bought my first one. But I became more reliant on it in 2004, when my electric guitar mysteriously stopped working, and I could not afford to fix it. I bonded even more with the Martin, because it was all I really had. I have an electric 12-string, but it's really best only for big sounds with delay & distortion. And I guess I've become tired of that, at least as a main element.
But using that sort of thing with other people's music is logical, because I'm accenting something they have already done. It doesn't make sense to play acoustic guitar with someone like Annelies Monseré or Rivulets, as that job is already taken.

I've read that you consider yourself more of a creator than a player, is this accurate? What do you want to express through music?
Yes, probably. I'd rather spend time recording new material or adding to other people's material than rehearsing the same songs over and over to play live. I have more of an artistic point of view - more of a painter rather than an actress. I'm not really good at playing in front of people, at performing. Some people are really meant for that, and I realised somewhere down the line that it's not really my strong point, nor do I have a big desire to be good at it. I like the occasional challenge of setting up a tour, and playing live, but what I love more about that is meeting old friends, as well as new ones, and having the chance to play with people I enjoy playing with. Plus I really love traveling, so it's hard to say "no" when an opportunity to tour comes around.
I don't really know what I want to express through music, other than pure emotion.

Your sound is a nice mix between digital and analog. Do you still use the 4-track?
Thanks :-) The 4-track was used on "Feels Like Home," and is still a part of my home studio.

How is a Jessica Bailiff song conceived? Do you have a particular method? Are you self-disciplined?
I'm not as self-disciplined at I'd like to be, or as I used to be. There is no real method other than getting to that state of mind where things just begin to flow, whether lyrically or musically.

What inspires your lyrics? What do you think about the world around you? Does it influence you in some way?
Mostly the lyrics are inspired by love, or loss of it; by longings, by dreams; by regrets, by mistakes. They are all very introverted and personal, hence a little selfish. I do have a lot of concern for the world around me, but I have not found a way to voice that through music or lyrics. I suppose I use everyday actions and conversations more for that.

Do you feel that you expose yourself in some way with your lyrics?
Yes, and no. Most people don't pay attention to the words, anyway - so I could tell the most intimate parts of my life through song (as I often do) and no one would really know or care.

You've had to combine your day job with making music -- do you still have a day job? Is it difficult to juggle both?
Yes, I still have a day job. I don't do music much at all anymore, because I have little energy for it when I'm finished working. I do not profit monetarily from making music, in fact I have lost huge amounts of money doing it. So my youthful abandon has turned into careful consideration and caution as I have become older. I can lo longer afford to spend money I don't have in order to tour or to play other people's music. I need to work to survive, we all need money to survive, to eat, to have shelter, to pay medical expenses, etc. This is reality. I never entered into life as a musician thinking I'd get rich, but I never considered that it would make me poor. But on the other hand, I've had many great experiences that I wouldn't trade for anything, and have made some very dear friendships through music, which is priceless.

This year you took part in several recordings as a guest (Red Morning Chorus, His Name is Alive, Rivulets, Landerim, Odd Nosdam...)This is a constant throughout your career; how do you manage to work with all these artists and keep your solo career and side projects?
These projects have spanned a lot of time, years in fact. But lately, I don't really create my own music anymore; this is how it works. It's been nearly 2 years since I've written or recorded anything solo. But usually I am incredibly inspired by the people who have asked me to contribute to their recordings, so it's really fun for me. It also has been the main thing keeping me interested in recording at all, so it's been a blessing.

All these collaborations make it possible for you to work with artists that you really admire. What is the best and worst thing about working with other people? What are some of your most favourable experiences?
The best thing about working with other people is that it's a very selfless thing. I'm doing something for that person, I want to contribute in a way that makes that person happy, in a way that adds positively to his or her music. The worst thing is when I feel I am not up to the task, when I really want to contribute something good, and am not able to do it. I've had many favorable experiences, never a really bad one. Working with Dave Pearce has been great, as I was always a fan of Flying Saucer Attack. Going through the creative process with him was amazing. And working with Odd Nosdam was fascinating, because his music was so far away from what I was doing - but at the same time we were coming from a very similar place, so it has worked rather well, I think. I can't possibly write about all of them, really there has been something good about every project I've been involved in, and looking back, there have been many.

Do you listen to more modern bands or do you prefer older ones? What have you been listening to lately?
I haven't been listening to music much at all lately. But I do listen to whatever sounds good at the moment, old or new. I was listening only to the "New Moon" album by Elliott Smith, for at least a month straight, every day. Yesterday I bought the Nick Drake "Family Tree" cd. My friend Laurent sent me a compilation with some really great modern music on it, much of it French, and I'm really liking it. Music affects my mood too much to just play anything at any time. Silence is often better for me.

I've read some time ago that you thought about giving up? Do you still think about it?
Every day, but now I think of it more as moving on rather than giving up. Music will always be a part of me, I cannot imagine that I would get rid of all of my musical equipment. But I have other priorities, and survival is one of them. Being happy, or happier, is another, as well as my health. So I'm trying to find what it is in life that will make me happier, what situation will that be, or where will it be. I'm not getting the same fulfillment from making music that I once did. I'm at a very strange crossroads in life, not really knowing where to go or what to do. When the albums aren't selling, it's kind of a meter for demand. If there isn't really much of a demand for what I do, then my priorities need to shift. Mainly, the music will likely become strictly personal, and not for mass release. There is no point in spending time, money, and resources on something that ultimately ends up in a landfill. And if it's more stressful for me to continue on this path, why continue? Why not do my own thing in my own time? I have no desire to impress critics or to sell myself. I guess I'm in the process of trying to figure out what music means to me and where it should be in my life.

You've played in Detroit two months ago and there's no plans for touring, do you like touring? Do you feel comfortable on stage or do you prefer recording?
There will be a small tour of the Benelux region this fall. I really enjoy touring in Europe. We are treated well and appreciated. We always have a place to sleep and are fed well. We are able to cover expenses. I don't much enjoy playing shows in America, as the pay is awful, if we are paid at all. There are a lot of really great people out there organising shows and doing all they can to make them successful. But most of my experiences have been playing for virtually nothing for people who can't be quiet. Also, it's much easier for me to play for people I don't know. Playing locally, in my home town, is nearly impossible for 2 reasons: I become too nervous and can't perform well, and generally there is not a proper venue for the sort of music I do. I'm not the sort that can handle well playing a house show or a record store, I usually need a proper P.A. system, as I cannot sing very loudly (yet another reason I don't make a good performer!). The last time we played in Paris, there was no P.A. system, so we had to play very quietly so I could sing, and by the end, I couldn't finish the last song because I'd begun to lose my voice. I definitely prefer recording, but under the right circumstances, I really do enjoy performing.

Have you ever visited Spain? Can we see you here sometime soon?
I have never been to Spain, but I have heard really great things about it. I have no plans to go there, but would love to one day, if possible.

What are you working on right now? What are your plans in the near future?And finally, what is the actual status of your side projects (Eau Claire, Clear Horizon, Northern Song Dynasty)?
Last month I finished some contributions to Annelies Monseré's new album. Lately, I am working on songs for performing on tour in the fall, and have managed to write a couple of new songs along the way. Eau Claire has been on hiatus - Rachel and I have had too much going on, both musically and personally, to continue. But we still write, and we are trying to make plans for me to come to Austin (where she lives) as soon as possible. Clear Horizon 2 is practically finished - but it's been put on hold, indefinitely. And there has been some talk of starting another NSD album, but nothing's happening yet.

Photos: Laurent Orseau

Big thanks to Charina. You're really awesome.