POP-ROCK / EXPERIMENTAL Corre el segundo 43 de "Under Pressure" y se dispara un saxo desbocado, de ansia y frenesí evidentes. Volverá a aparecer, libertino, en posteriores pasajes de la canción. Y es que, por un lado, la versión que hacen Xiu Xiu del clásico de Queen y David Bowie respeta el esqueleto y las articulaciones del original: espina dorsal formada por la célebre línea de bajo de John Deacon, situación e intensidad dramática de cada acto reproducidos con fidelidad, e incluso un detallista reparto vocal que aloja aquí el portentoso falsete de Freddie Mercury en unas cuerdas vocales femeninas, en el suave susurro de Caralee McElroy, y hace que el contrapunto grave del Duque Blanco encuentre réplica, intensificada, en el imponente barítono de Michael Gira (Swans, Angels of Light); pero, por otro, estampa con fuerza el sello propio y concentra al mismo tiempo todo el talento y esfuerzo en una sutil reformulación estética, rebuscando en el sótano de los instrumentos y haciendo pasar por el bisturí arreglos, ritmos y esquemas que empezaban ya a estar un poco arrugados. Tras un peligroso coqueteo en estudio con el amaneramiento y la dulcificación valga, aunque sea de manera injusta, un cover como compendio del nuevo sonido de Xiu Xiu: reconocible, pero también con mucho a descubrir. La vista y la auto-exigencia son envidiables.
Women As Lovers, el sexto álbum propiamente dicho del grupo, y tras el cierre de 5RC, el primero en la casa madre, Kill Rock Stars (aquí siguen teniendo hogar en Acuarela), no pierde ni un segundo en exhibir la recién modelada figura: "I Do What I Want, When I Want" lo primero que hace es estrenar un "Do do do do do do" tratado y, dentro la calma enrarecida de estribillo amable y, eso sí como siempre, texto turbador, saca el inventario de cachivaches, da brillo al saxo antes de su primera aparición y termina atravesando estancias desordenadas con formas y tempo hasta ahora desconocidos en el grupo. El ritmo inapelable y la tensión constante de "In Lust You Can Hear The Axe Fall", la ilusión acústica de tripas marcianas que es "F.T.W." ("Fuck The World" pero también "For The Win" - algo así como "genial", o "al poder", sólo útil si se embadurna de ironía en esta confrontación personal de la satisfacción privada con el pesimismo respecto al mundo exterior) y el pop pletórico, con una multitud de recursos ensartada por una percusión marcial, de la defensa gay que es "No Friend Oh!", completan un póker inicial de altura que despeja dudas, sujeta de cerca la atención del oyente y fascina tanto en la escucha escrupulosa como en la más relajada.
El resto del disco no le va a la zaga y además se las apaña para desconcertar por imaginación y versatilidad: "Child At Arms" es una pieza de folk metálico traído del planeta Xiu Xiu, "Guatanamo Canto" repite la claustrofobia política de "Support Our Troops Oh!" en Fabulous Muscles (5RC / Acuarela, 2004) pero superándola en concreción, el incesto se trata con delicadeza melódica en "Black Keyboard", el armonio y los metales inyectan veneno en la atmósfera desafiante de "The Leash", ... y el lote se cierra con la intensidad y épica de "Gayle Lynn". El trabajo y el cuidado son patentes a todos los niveles: en las letras, algunas especialmente difíciles, en la secuenciación de los temas, en la impecable labor de Greg Saunier (Deerhoof) en la mezcla.
Con uno de los mejores directos posibles sobre el planeta, Xiu Xiu vuelven a reclamar protagonismo y privilegio también en la estantería comprada a principios de década. Los merecen.
INDIE/EXPERIMENTAL Que a nadie le extrañe el reconocimiento general que Alopecia está despertando tanto entre críticos como entre fans. La verdad es que no era un camino fácil, ex miembro de cLOUDDEAD (referencia básica de Anticon y de su particular acercamiento al hip-hop desde otras perspectivas o viceversa) Yoni Wolf decidió embarcarse en un proyecto en solitario: Why? Debutando con un álbum, Oaklandazylum (Anticon, 2003), que ponía las primeras bases en lo que sería su personalísimo discurso tanto en lo musical como en las letras.
En 2005, Elephant Eyelash –ya como trío, con su hermano Josiah y Doug Mcdiarmid- les consagró y se convirtió en uno de los álbumes de aquella temporada, avanzando en las direcciones abiertas en su debut y apuntando una mayor capacidad para crear canciones redondas.
Tras escuchar durante un par de meses este Alopecia, para el que han ampliado la formación a 5 miembros con la incorporación de los miembros de Fog: Mark Eriksson y Andrew Broder (también comparte con Wolf su proyecto Hymie's Basement), no tengo ninguna duda de que su trayectoria, y este disco, los planta como una de las bandas de referencia en la escena independiente de la presente década.
Su música se ha ido enriqueciendo a cada paso y es imposible de catalogar: sus referencias son inabarcables, indie rock con actitud hip-hop, chispazos y referencias pop, folk y cualquier sonido que se cruce por sus cabezas. Un collage de elementos de compatibilidad dudosa que acaba resultando brillante y refrescante. Aunque, sin duda, la voz nasal y desmotivada de Yoni junto con sus mordaces, lúcidas y creativas letras y su dominio total del ritmo son el eje del sonido Why?. Sus letras se sitúan por encima de la de mayoría de sus contemporáneos. Cada canción es una pieza más de ese puzzle que es el mundo que nos ha tocado vivir y que él retrata con una claridad pasmosa. Desde ese pesimismo realista y honesto, desde la falta de fe en el ser humano, desde la soledad que todos conocemos, nos hace vivir -lo consigue a base de verborrea, de multitud de detalles y referencias- cada canción. Cómo si estuviese ocurriendo todo ante nosotros, son pequeñas instantaneas, historias oscuras, extrañas, fracasos… aunque siempre con un toque de ese humor ácido al que se aferra cómo última vía de escape ("Sending sexy SMSs to my ex’s new man / ‘Cause I can" canta en Good Friday).
Alopecia es un disco enorme que te atrapará por completo y en el que irás descubriendo multitud de detalles interesantes, tanto en las letras como en esa fusión entre teclados, guitarras y percusiones que dan como resultado temas tan adictivos como el primer singleThe Hollows, sin duda una de las muchas canciones que brillan con luz propia en un disco plagado de ellas. Desde la orfebrería instrumental de Song Of The Sad Assasin y Sky of Shoeing Horses, hasta las adictivas melodías de Simeon’s Dilemma o The Vowels pt. 2, en las que Wolf canta sin complejos, consciente de que los buenos cantantes no son los que mejor voz tienen sino los que consiguen atrapar al oyente y él lo hace con una seguridad abrumadora en sus posiblidades y sin apenas despeinarse. Aunque si me tuviera que quedar con una ésta sería These Few Presidents en cuyo estribillo Wolf nos vuelve a dejar otra joya de las suyas: "Even though I haven’t seen you in years, yours is a funeral I’d fly to from anywhere". Recomendadísimo.
FREE-MUSICTalibam! saben que de Anthony Braxton no se aprende, sino que mejor se comprende. También que el prefijo free, aunque se asocie por origen al jazz, es, por definición, un concepto por encima de cualquier adscripción estilística. Y en tercer lugar, para ellos la experimentación es un medio y no un fin.
Con estas tres convicciones bien grabadas en la frente, el trío neoyorkino comandado por el sobrenatural Kevin Shea a la batería (ex-Storm and Stress) se encerró en el estudio durante tres días, acompañado por un elenco de invitados representantes del sector más destructivo de los improvisadores de la Gran Manzana, para grabar la explosión volcánica titulada "Ordination Of The Globetrotting Conscripts", primer disco oficial del grupo después del ya habitual montón de cd-rs y demás referencias de difícil rastreo.
Sin atisbo de domesticación y mucho menos de limitación de recursos, Talibam! dan toda una exhibición de desbarre kamikaze que rasga en dos cualquier libro de estilo. La única consigna aquí parece ser el 'I Do What I Want, When I Want'. La Carta Blanca como sagrada escritura.
Aquí hay ruidazo, hay sintetizadores de trazo grueso, melodías soterradas, estructuras llenas de esquinas, saxos no-wave, arrebatos vocales de borracho, sambas marcianas, snobismo artie, garruleo de bigote postizo, mucho sentido del humor afinadísimo y muy muy poca vergüenza.
Este disco impresiona porque suena vivo y creativo de cabo a rabo. Demuestra que, si aceptamos la etiqueta free-music, pocos grupos hoy día podrían competir con Talibam! a la hora de buscarle representante. Este disco es importante.
El único pero posible es que, como decía en el primer párrafo, el medio se antepone a los fines en todo momento. Y así, a veces los resultados son tremendamente indigestos, siendo más fácil disfrutar con la intensidad que desprende el grupo que con lo que sale de los altavoces. Pero es que, lo siento, me temo que de eso se trata. Chema.
El underground americano no deja de ofrecernos motivos para estar permanentemente atentos. Además de las explosión creativa y comercial de la escena de Nueva York con Animal Collective cómo principal referente y Excepter, Black Dice, Gang Gang Dance o los también cercanos Lightning Bolt demostrando que además de calidad hay cantidad; cabría destacar la consolidación de otras escenas que desde la independecia extrema han ido desarrollando nuevos sonidos afincados en los parajes más extremos de la experimentación, la psicodelia y la vanguardia: Portland (Yellow Swans, White Rainbow, Grouper, Inca Ore, Valet...) y sobre todo el estado de California con tres ejes fundamentales: Oakland, San Francisco y Los Angeles (Tarentel, Comets On Fire, Wooden Shijps, Barn Owl, Deerhoof y mil más). Cada uno apuntando nuevos horizontes, avanzando en lenguajes ya explorados o abriendo camino hacia nuevos parajes. Siempre con la inquietud como bandera.
En la entrada de hoy os presentaremos (a aquellos que aún no las conoceis) a una de estas bandas: Pocahaunted. Bethany Sharayah y Amanda Brown son un par de chicas de Los Ángeles y desde hace algo más de un par de años vienen regalando pequeñas joyas en forma de cassette, cdrs y vinilos limitadísimos. Principalmente desde el sello que Amanda dirige junto a Britt Brown (colaborador habitual del dúo y miembro de Robedoor): Not Not Fun desde dónde ambos dan salida a pequeñas ediciones hechas a mano de todo tipo de grupos afines (Heather Leigh Murray, GHQ, Raccoo-oo-oon, The Goslings, Belly Boat, Shepherds, Axolotl, Magik Markers, Charalambides...), aunque también han ido desperdigando parte de su talento en ediciones minúsculas para otros sellos como Night People, Digitalis, Ruralfaune, Blackest Rainbow, Fuck It Tapes, Arbor y Buried Valley. Si a esto unimos el creciente reconocimiento por parte de fans, crítica y compañeros -Thurston Moore es un gran admirador, hasta el punto de que han abierto tanto para él como para Sonic Youth durante los conciertos de la gira Don't Look Back del año pasado- no es de extrañar que sus cassettes se alcancen cifras cercanas a los 100$ en ebay.
Y todo esto ellas se lo toman con mucho humor, hasta el punto de que en su myspace definen su música cómo Ambient/Psicodelia/Comedia y dicen que suena como la tierra con el período, además de considerarse, en plan broma privada, a sí mismas las hermanas Olsen del drone. Probablemente sea esta despreocupación e inocencia lo que las convierta en algo especial. Su música tiene un poder evocador muy fuerte, básico, primitivo. Sus composiciones / improvisaciones nacen arraigadas a la tierra, a los nativos americanos y a partir de ahí con apenas guitarras, efectos y voces y sin apenas técnica consiguen que brote un mundo propio caracterizado por unos desarrollos básicos, largos, circulares, repetitivos e hipnóticos. Aunque si algo destaca en su propuesta es la utilización de las voces: no las oirás cantar puesto que no tienen letras convencionales, la voz es el vehículo que te acabará transportando, cómo un mantra, a través de sus melodías envolventes y circulares, de sus ecos fantasmales o aterradores, de sus gritos... Cómo en un rito chamánico sus voces parecen invocar a los espíritus en medio de jams de guitarra, drones y percusión que las emparentan con Earth por su lentitud y densidad, con la música africana, con Charalambides, con Low por la belleza de algunos de sus desarrollos y también con Grouper, Inca Ore o Jessica Bailiff por la utilización de las voces cómo vehículo en medio de nubes de ruido.
Sin duda estamos ante una propuesta especial, con una personalidad tan fuerte y con una capacidad de transmisión poderosísima que conseguirá crear adicción en algunos y alejar a otros, pero que no dejará indiferente a nadie. Entre la belleza y el horror, la tranquilidad y el desasosiego. Un viaje a la deriva por el mar guiados por unos cantos de sirena que te embelesarán o te harán enloquecer. Eso es Pocahaunted.
Os dejamos una lista con su discografía a la que hemos añadido enlaces para que podais disfrutar de ellas. La practica totalidad están descatalogados. Así que si quereis haceros con material original debereis estar atentos. Este año editarán un álbum dub para Arbor llamado Island Diamonds, Peyote Road un LP que acaba de salir en Woodsist y también un 7" para Release the Bats compartido con Orphan Fairytale y otro vinilo para Weird Forest que se titulará Mirror Mics.
Me atrevo a decir, sin miedo a pillarme los dedos, que hoy día Italia tiene la escena de vanguardia más rica, interesante y mejor cimentada de toda Europa. Si en un principio fueron grupos como Diaframma o Frigidaire Tango los primeros en salirse del tiesto (incluso Morricone mucho antes si se quiere. Háganse con la recopilación de material setentero Crime and dissonance editada por Ipecac en 2005 y alucinen), sucesores no menos arriesgados como Tasaday o A Short Apnea se encargaron de perpetuar una saga que en la actualidad cuenta con un arsenal inabarcable de experimentadores muy preparados y extremadamente leídos, que tienden a la colaboración y al intercambio para profundizar en sus inquietudes, que trabajan y producen de manera obsesiva, que se mueven con una vitalidad y crecen a una velocidad que no hacen sino que anunciar que la cosa no se estancará, que irá más y más allá.
Podríamos hablar de la electroacústica de 3/4HadBeenEliminated, de la micro-electrónica de DJ Økapi, de los viajes cósmicos de My Cat Is An Alien, del post-todo de Larsen, del paisajismo de Fabio Orsi, el fingerpicking pelín heterodoxo de Egle Sommacal, del dark-ambient de Maurizio Bianchi, del inspiradísimo improvisador Giuseppe Ielasi, del rarismo de Pulga, del kraut versátil de Å, de la clásica contemporánea de Sentieri Selvaggi, del ruido partetímpanos de Nastro Mortal... y así hasta acabar con agujetas en los dedos de tanto contar. Con el humilde propósito de dar una ligerísima idea de qué es lo que ocurre en Italia, os presentamos... CINCO GRUPOS ITALIANOS QUE DEBERÍAS CONOCER SI ERES DE LOS QUE CHUPAN LOS HUESOS DE POLLO. 01. Uncode Duello
Con un pasado común que dura ya catorce años y pasa por tres de las mejores bandas que haya visto la vanguardia italiana (Six Minute War Madness, Tasaday y A Short Apnea), Paolo Cantù y Xabier Iriondo demuestran una vez más ser tal para cual en un mano a mano rebosante de química y también de física. Los protagonistas reales de este proyecto son los instrumentos, guitarra y batería principalmente, acompañados según el momento de una amplia lista de cacharros extraterrestres (Iriondo regenta en Milán un negocio suicida de instrumentación rarucia y estas pasiones no se pueden disimular). Ya sea dándose la mano o chocando los unos contra los otros, aquí cada instrumento gobierna su espacio y cumple su función luciendo todo su cuerpo y su masa como ocurre con Shellac. Pero lo realmente asombroso de la música de Uncode Duello es que, hablando de composición, se basa exclusivamente en el sobrenatural instinto para la improvisación y la madura compenetración de sus dos miembros. Músicos superdotados alrededor de los cuales giró, no gratuitamente, el Damo Suzuki's Network italiano.
Otro dúo de ilustrísimos: Bruno Dorella y Giovanni Succi. Si bien el currículum del primero se ramifica en incontables meandros de todo género, condición e interés, es en el blues asfixiado de Madrigali Magri (extinta cult-band liderada por Succi) donde Bachi Da Pietra encuentran sus señas de identidad. Todo consiste en una guitarra algo mellada, una batería de pulso fúnebre, un susurro gélido, que raspa, y toneladas y toneladas de malrrollo. Con estos elementos, los 'bichos de piedra' arman quebradizas composiciones de slow-motion roto y desolado, como pasadas por el támiz de 'Hex: Or printing in the infernal method', que suenan a días de viento y a habitaciones sin ventanas, a desesperación y a desencanto, a mirar al techo y ver el suelo.
MP3:Ofelia Disco recomendado:Non Io (Wallace / Die Schachtel, 2007) Grupos relacionados: Madrigali Magri, Ronin, OvO, Wolfango. 03. Zu
Bajo + Saxo + Batería. Eso son Zu. Nada más. Una fórmula básica, millones de veces explotada, pero llevada al límite. La trayectoria de Zu es una ceñuda línea que se curva de un lado a otro, una y otra vez, sin pasar dos veces por el mismo punto. Como seña de identidad, ese jazz-core tan físico y compacto como nadie puede hacer. Partiendo de eso, aliños mil. Ya sea por cuenta propia o con la ayuda de colaboradores que catalizan la reacción hacia un lado u otro, Zu han sacado todo tipo de posibilidades a su sonido. Han lucido su lado más jazzy compartiendo disco con Spaceways Inc., se han desmelenado a lo bruto junto a Mats Gustafsson, con Fred Lonberg-Holm sacaron su lado más ascentral y primitivo, fueron magníficos escuderos de Nobukazu Takemura, no se amedrentaron en cambio en su cara a cara con Dälek y Albini les ayudó a definir al máximo su personalidad en el imprescindible 'Igneo'. Han hecho de todo, nunca han dejado de ser únicos, seguirán siéndolo por los siglos de los siglos. Y tienen un directo mortal.
MP3:Momentum (con Xavier Iriondo) Disco recomendado:Igneo (Wallace, 2002) Grupos relacionados: Dogon, Gebbia/Ligeti/Pupillo, Ardecore, Original Silence, Udus, Dimension X. 04. Sedia
También con las orejas empapadas en jazz, Sedia optan por un musculosísimo math-core instrumental en el que la dura geometría de las composiciones gana alma gracias a una -sobresaliente- técnica instrumental tremendamente visceral e impulsiva. Su música empieza en el cerebro, recorre las venas, llega al bíceps y sale disparada convertida en un vertiginoso caudal de energía cargada de mala leche. O dicho con otras palabras: Están a la altura de grandes pitagóricos como Don Caballero a la hora de dar con estructuras impensables que acaban encajando y teniéndose en pie; como a Steve Albini, les gusta la carne poco hecha; y si Lightning Bolt son un pterodáctilo caníbal, ellos son un rinoceronte peludo con el que también conviene andarse con ojo. Mucha tralla.
MP3:Gingilletti Disco recomendado:The even times (Wallace, 2006) Grupos relacionados: Polvere, Gerda, Mattia Coletti, End of Summer, From Hands, Christa Pfangen. 05. To The Ansaphone
Empezaron dándole al hardcore psicótico escuela Release The Bats -con mucha voluntad pero con poco tino, hay que decirlo- y lentamente han acabado adentrándose en terrenos radicalmente abstractos antes arados por This Heat, The Pop Group y Can. De estas bandas heredan esa concepción musical caleidoscópica y abierta según la cual la experimentación no es simplemente una coartada hacia la modernidad, sino el único y verdadero método de avance. Aunque hoy día podría metérseles en el saco del freakismo coyuntural por cierta afinidad de lenguaje con grupos como Raccoo-oo-oon, Air Conditioning o Growing, en To The Ansaphone, bajo bucles enervantes, texturas manipuladas, voces perdidas y ambientes inquietantísimos, persisten siempre, por encima de cualquier moda, el compromiso con el pasado y la coherencia del camino andado. El último capítulo en la trayectoria del grupo es un heterogéneo 10" amasado vía intercambio on-line debido a la dispersión geográfica de los miembros de la banda. Este particular ha hecho que se prestase mayor interés a la producción del material que a la composición, ampliando los recursos del grupo de manera prometedora de cara a un disco largo.
SHOEGAZE/POST-ROCK/AVANT METAL/DOOM El debut de estos americanos (Middletown, US) será recordado a finales de este año en muchas listas... tiempo al tiempo, un doble CD no voy a decir perfecto, pero casi, a medio camino entre el shoegaze, el dark metal atmosférico o el ambient doom y donde han sabido picotear un poco de aquí (My Bloody Valentine, Joy Division) un poco de allí (Alcest) un poco de allá (Jesu, Nadja, Xasthur) hacerlo suyo! y salir por la puerta grande, con un sonido muy consistente y una producción excelente... aquí la expresión "Quien mucho abarca, poco aprieta" no les hace justicia alguna, dan la vuelta a la tortilla y dan patada a muchas bandas que no son más que una copia de una copia... de algo, sin aportar nada ellos, solo interpretan como si de marionetas se trataran.
A la gente que no le suele gustar los géneros re-visionados por el grupo que tampoco espere la panacea, seguramente tampoco les guste, hay épica, canciones tristes y evocadoras, hay desarrollos ambientales y también murallas de sonido, pero no pecan de alargarlos hasta el infinito, menos es más... como dicen algunos.
Deathconsciousness es un doble álbum (The Plow That Broke The Plains y The Future) de debut muy ambicioso, donde salen a la luz 5 años de trabajo, acompañado de un libro, un texto oscuro también llamado Deathconsciousness de más de 80 páginas y escrito por un profesor de Historia de la Universidad de Massachussets que explora todo el concepto del disco sobre referencias a la simbología religiosa, la muerte... que fue la fuente principal de inspiración durante el proceso creativo del disco, de este modo ayuda y complementa y te acerca a su imaginario.
Sin duda aire fresco, un disco para la gente cansada de los grupos de manual, música retadora, excitante, moderna y que apuntan una línea creativa a seguir...
En 1998 Efrim Menuck, guitarrista y miembro fundador del combo canadiense de post-rockGodspeed You! Black Emperor, empezó a experimentar en solitario con ideas que no tenían cabida en la banda con la intención de acercarse a la composición de otra manera diferente buscando otros modos de compartir y comunicarse. En estos primeros momentos Efrim optó por el piano cómo medio de expresión y muy pronto otros dos de sus compañeros en GY!BE se unirían a él. Serían Thierry Amar (bajo, contrabajo) y Sophie Trudeau (violín).
El 6 de marzo de 1999 debutarían en directo en un evento organizado por su sello (Constellation) llamado Musique Fragile y no sería hasta un año más tarde cuando su disco de debut vería la luz. En él, dos largas composiciones divididas en fragmentos en la versión en cd, nos los presentaban más cercanos a la música de cámara y con mayor presencia del piano, la guitarra apenas aparecía en un corte y la voz asoma por primera vez convirtiendose en factor diferencial con respecto a su otra banda. Aunque en su debut Efrim la utiliza en apenas un par de cortes, ésta irá ganando protagonismo a lo largo de su carrera hasta convertirse en un elemento básico en su discurso. En un principio, cómo reconoció en una entrevista a la radio holandesa VPRO (oir), se sentía incómodo cantando y, en general, con el rol del cantante en la música ya que en su opinión enfocaba la atención en una dirección y la apartaba del resto de la banda.
Consolidación, cambio de nombre
Lo que en principio nacía cómo un experimento al margen de una de las bandas con mayor prestigio dentro de la escena post-rock se iría poco a poco consolidando como uno de los proyectos más interesantes de esta década. Así su presumible caracter efímero pronto quedaría descartado. A finales del año 2000 se añadirían a la formación Rebecca Foon (cello, miembro de Esmerine, Hrsta y Set Fire To Flames), Ian Ilavsky (guitarra, miembro de Re:, Sackville y Sofa) y Jessica Moss (violín, miembro de Black Ox Orkestar). Con la nueva formación de 6 miembros cambiarían el nombre a The Silver Mt. Zion Memorial Orchestra & Tra-La-La Band, compondrían el nuevo material y arreglarían las primeras composiciones para adaptarlas al nuevo formato para la inminente primera gira que tendría lugar en 2001 por tierras europeas.
La expansión consolidó el proyecto además de dotarlo de una mayor riqueza, variedad y profundidad en sus composiciones y sonido, a finales de año editarían el que sería su aclamado segundo álbum con los temas que venían trabajando en la gira. Es probablemente el disco que mejor refleja el conjunto de su carrera, en él la voz comienza a ganar protagonismo convirtiendose en hilo conductor de algunos temas que, ahora sí, ya pueden considerarse canciones (Take This Hands And Throw Them In The River, The Triumph Of Our Tired Eyes). El disco refleja la evolución que estaba por llegar con una mayor presencia de las guitarras. Además de la tristeza que desprendía su debut aquí se pasa a un sentimiento de esperanza. Esa esperanza a la que nos aferramos cuando ya no queda nada.
Madurez, la voz, las letras
El siguiente paso vendría acompañado de otro cambio de nombre, para su tercer disco añadirían un with Choir al final para reflejar la presencia de un coro amateur de 24 personas (amigos, músicos) en la grabación. This Is Our Punk-Rock... (Constellation, 2003) supone otra declaración de intenciones. Con GY!BE en hiato indefinido desde mediados del 2003 (esta misma semana han confirmado su separación definitiva), Efrim se centra en dar una mayor importancia a la voz y las letras y así entregan un álbum más político (recordemos que al final de su anterior álbum cantaba Musicians are cowards), gestado en sesiones de estudio y cuyos temas no habían sido rodados en directo cómo en ocasiones anteriores. La voz es utilizada de diferentes maneras en este álbum dónde adoptan estructuras propias de GY!BE en cuanto a duración y estructura de los temas. Además las percusiones ganan un mayor protagonismo hasta el punto de que incorporan un séptimo miembro para la gira de presentación del álbum. Scott Levine Gilmore (batería, guitarra, mandolina y miembro de Black Ox Orkestar) se hará con el puesto de batería fijo con lo que su música se adapta casi al formato de GY!BE.
El año 2004 transcurre con giras por Canada y Europa, durante esta gira editan un cd disponible sólo en los directos que después sería editado en cd y vinilo. Este material es más experimental y nace de sesiones de estudio dónde participan algunos de los miembros de la banda, de ahí que se publique bajo el nombre de Thee Silver Mountain Reveries.
Ya con 7 miembros en 2005 publican Horses In The Sky. En él ningún tema es instrumental, la evolución se ha completado. Además adoptan la denominación definitiva Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra & Tra-La-La Band. El álbum contiene letras explícitamente políticas que pretenden reflejar el estado de guerra del momento (Irak). Definitivamente la banda se confirma como la mejor vía de expresión del colectivo. En este mismo año hacen su debut en USA aunque Sophie se rompe la clavícula y tienen que cancelar la gira. 4 miembros del colectivo (Efrim, Ian, Beckie y Jessica) se unen a sus compañeros de sello HangedUp y preparan una actuación en un festival de cine, política y música que tendría lugar en Bélgica. En la actuación cuentan también con la presencia de Patti Smith. El proyecto se llamaría Thee Silver Mountain Elegies Play War Radio y además de esa actuación (que se puede descargar aquí) también documentaron la unión en sesiones de estudio en las que siguen trabajando para una posible edición.
En 2006 se volverían a embarcar en una gira por Europa y en su primera gira completa por USA dónde anticiparían 2 de los temas que forman parte de su último trabajo: Blind Blind Blind y 1 Million Died To Make This Sound. Tras ella Scott Levine Gilmore abandonaría el grupo para dedicarse por completo a la enseñanza. Sería sustituido por Eric Craven (batería, miembro de HangedUp) que ya participó en la gira de 2007 y en la grabación de su último trabajo 13 Blues For 13 Moons que se editará este mes de marzo.
Discografía
He Has Left Us Alone But Shafts Of Light Sometimes Graces The Corner Of Our Rooms... (Constellation, 2000)
Grabado en 8 pistas por Efrim y Thierry en el Hotel2Tango nace cómo un experimento a partir de lineas de piano de Efrim a los que añaden cuerdas, loops, drones y samples de audio al igual que en GY!BE. Por primera vez desde el primer cassette de GY!BE utilizan voz en 2 de los 8 cortes: Movie (Never Made) y Blown-Out Joy From Heaven's Mercied Hole. La guitarra apenas está presente en uno de los cortes. El disco tiene un tono triste y se desarrolla en dos largos pasajes divididos en movimientos, entre el minimalismo, la música de cámara y la experimentación. Según Constellation es el trabajo más reclamado para acompañar proyectos visuales de todo el catálogo del sello.
Tema favorito: 13 Angels Standing Guard 'round The Side Of Your Bed
Born Into Trouble As The Sparks Fly Upward (Constellation, 2001)
Probablemente su disco más equilibrado, a medio camino en su evolución entregan un disco dónde ya apuntan alto en el empleo de las voces para transmitir sentimientos de diferentes modos: coros, la voz áspera de Efrim, voces enfrentadas en una misma canción... transmiten rabia, miedo, felicidad y sobre todo esperanza. Con una apertura continuista con respecto a su primer trabajo hacia mitad y final del disco las guitarras ganan protagonismo y la voz reclama un papel principal en alguna de sus primeras canciones (Take This Hands And Throw Them in The River). El cierre con C'mon Come on (Loose an Endless Longing) y The Triumph Of Our Tired Eyes los acerca a los GY!BE más épicos y muestran lo que estaba por venir. Se incorporan Harris Newman y Howard Bilerman cómo ingeniero de sonido y productor estables.
Tema favorito: Could've Moved Mountains...
"This Is Our Punk-Rock" Thee Rusted Satellites Gather + Sing (Constellation, 2003)
Con GY!BE ya casi disueltos Efrim se encuentra a si mismo como letrista y cantante en un disco en el que cuentan con un apoyo coral masivo para dar mayor emoción a unas letras que lamentan la destrucción de las comunidades locales y globales a causa de intereses económicos, militares o estrategicos. Con estructuras cercanas a GY!BE incorporan todas sus influencias e intereses en un disco que destaca por la cada vez mayor importacia de las percusiones, la utilización de los coros en los temas que abren y cierran y por ser su primer disco "político" de algún modo. Este es su punk-rock. Empezaban a quedar claras sus intenciones.
Tema favorito: Some Lonesome Corner So Many Flowers Bloom
Este EP de apenas 30 minutos y distribución exclusiva en sus conciertos acabó por ser editado en condiciones y convirtiéndose en su disco más original en lo lírico y en el sonido. En gran parte trabajo de Efrim en unas sesiones regadas con vino a altas horas de la noche es su trabajo más saturado y psicodélico. En él la experimentación es la clave, miembros intercambiandose instrumentos para algún tema, utilización de efectos en las voces (otra vez omnipresentes). El álbum fue grabado antes de la mezcla final con un Boombox y de ahí ese sonido especial en las voces e instrumentos.
Aunque según ellos la mayor parte de los temas tratan del amor, Horses In The Sky es decididamente su disco más político (los títulos casi lo dicen todo). En sus seis canciones pretendían reflejar las nuevas condiciones de guerra y el estado de miedo en que la población americana vivía sumida. En el se completa la evolución hacia unos temas donde las letras y la voz (aquí incluso suena delicada por momentos) tienen una importancia fundamental. Lo importante es expresar y transmitir, ese es su objetivo. En lo musical el disco presenta novedades cómo la utilización de guitarras acústicas en algún tema y una mayor variedad de estructuras y ambientes.
Tema favorito: Horses In The Sky
Curiosidades
Su disco de debut está dedicado a la memoria de Wanda, el perro de Efrim que murió de cancer durante una gira de GY!BE. El tema que cierra el álbum se llama For Wanda en su honor.
Su disco de debut fue el primer disco grabado en el ya legendario estudio del Hotel2Tango.
El nombre de su segundo disco viene de una cita bíblica del libro de Job: "Yet man is born unto trouble, as the sparks fly upwards"
Efrim es judío y su obra contiene múltiples referencias en títulos, nombres y alguna letra. Aboga por una identidad judia no territorial que conduzca al pluralismo y la interacción intercultural.
Ring The Bells (freedom has come and gone) aparece en los creditos finales de Demonlover (Olivier Assayas, 2002). Tho You Are Gone I Still Often Walk With You de su segundo álbum fue utilizada en la promoción de la cuarta temporada de la serie de TV Lost.
Las referencias políticas son una constante en su discografía: el instrumental 13 Angels Standing Guard 'round the Side of Your Bed apunta al anarquismo de Bloque Negro; The Triumph Of Our Tired Eyes pretende lamentar el estado del mundo actual y es una llamada a la esperanza. Está inspirada en el himno de la Guerra Civil española "A las barricadas". En Horses in The Sky canciones cómo Ring Them Bells (Freedom Has Come and Gone), God Bless Our Dead Marines o Teddy Roosevelt's Guns son abiertamente políticas.
Canciones/Videos
En youtube se pueden encontrar multitud de videos creados por fans para acompañar la música de ASMZ. Una música que parece creada para ser acompañada de imagenes. Os dejo con 4 videos que de algún modo ayudan a complementar la visión general de la banda que hemos pretendido dar.
Stumble Then Rise On Some Awkward Morning
Sit In The Middle Of Three Galloping Dogs
The Triumph Of Our Tired Eyes
Ring Them Bells (Freedom Has Come And Gone)
Enlaces
Tra-La-La Band - Página oficial. Constellation Records - Página de su sello Constellation. Hotel2Tango - Página oficial del estudio de grabación, local de conciertos... Mountains Made Of Steam - Fan Site, con noticias, letras, fotos, foro... Archive.org - Buena parte de sus conciertos disponibles en descarga directa. Spinning On Air on WNYC - Actuación y entrevista en un programa de radio en NY en 2005. En streaming.
Xiu Xiu
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